domingo, 15 de septiembre de 2013

D0CUMENT@LES



MARIA AMPARO RIVELLES DE LADRON Y GUEVARA
(11 de Febrero 1925
 7 de Noviembre 2013)


Hablar  de Amparo Rivelles es hablar por excelencia, de una gran actriz española quien logro aparte de su paìs,  tambien conquistar al publico mexicano, dedicandole cerca de 25 años de su existencia,  en nuestro paìs, en donde filmarìa importantes cintas que formaron parte de su filmografia artistica, caracterizada tambien por su reacia personalidad de una mujer con caràcter que siempre supo lo que quiso,mujer culta y educada, de belleza inconfundible y de gran personalidad.

Nacida el 11 de Febrerode 1925, en Madrid España,. Hija de los actores Rafael Rivelles y María Fernanda Ladrón de Guevara, fue hermana por parte de madre de Carlos Larrañaga y tía de Amparo Larrañaga y Luis Merlo.
 irrumpió en el cine a los 14 años y se convirtió en una estrella de aquella sorprendente industria de los años 40 que creaba sueños de cartón para un país desgarrado.




Alcanzó la fama rápidamente y consiguió un contrato en exclusiva con la productora Cifesa, para la que realizó alguno de sus mejores papeles en los años 40 y 50. Entre sus interpretaciones más elogiadas de su primera etapa están Eloísa está debajo del almendro (1943) y La fe(1947), películas dirigidas por Rafael Gil. De esta época son también sus filmes Los ladrones somos gente honrada (1941), Malvaloca (1942),Fuenteovejuna (1947), La duquesa de Benamejí (1949) y La Leona de Castilla (1951).
Además, trabajó con Orson Welles en Mister Arkadin (1954) y con Tulio Demicheli, en La herida luminosa (1957). Viajó a México en 1957 para interpretar la obra de teatro Un cuarto lleno de rosas y lo que en principio iba a ser una corta estancia se convirtió en un exilio voluntario de más de veinte años.



ENTREVISTA A AMPARO DEL AÑO 1990

Pregunta. En La regenta hace de malísima.

Respuesta. Sí, pero con motivos: la madre del Magistral, que todo lo hace para que su hijo llegue a obispo. Pero. la gente me va a odiar.

P. ¿Todavía a caballo entre América y España?

R. No, ahora sólo estoy en España. Voy allí cuando tengo el mes de descanso.




P. ¿Qué le ha dado México?

R. Mucho. Por ejemplo, las telenovelas, las vilipendiadas telenovelas, sirven muchísimo para los actores, porque te ves los defectos y los puedes corregir, que en una película te lo ves igual, pero no puedes tocarla. Yo amo las buenas telenovelas. Soy bastante cursi en eso, porque para mí el amor es una cosa muy importante. No sólo el amor entre hombre y mujer, sino a los amigos, a la vida, es lo más maravilloso.

P. Dicen que lo que pasa en los culebrones es irreal.

R.Pues a mí, una señora en Jalapa se me acercó mientras estaba grabando una telenovela que ni sabía cómo acababa, y me dice:- "Mire, tengo el mismo problema que usted, ¿cómo lo soluciona, que hago yo?" Total, que cuando me enteré, la llamé para decírselo.

P. Usted vivió la época privilegiada del cine español.

R. Sí, los 40. Aquello era una verdadera industria cinematográfica, que se hacían ciento y pico de películas al año. Ahora es otra cosa, porque todo resulta mucho más difícil. Entonces había muy poca competencia, películas alemanas, que al público español no le gustaban; francesas, que no se han entendido casi nunca. La gente prefería las nuestras. Estaban bien hechas, pero no se podía tocar ningún tema. No existía la política, no existían el aborto, ni el divorcio, ni el adulterio. Había que hacer películas de época, y suplir el vacío con grandes escenarios, que se hacían maravillas en decorados. Aquí, en CEA, abriendo los dos platós, se reprodujo el palacio de las Tullerías, completo, para Eugenia de Montijo.



P. ¿Cómo recuerda a sus galanes de entonces? Algunos. como Alfredo Mayo, fueron novios suyos.

R. Es que, cuando trabajas con un galán, siempre tiene que existir un enamoramiento mutuo, que te estimule para ir a trabajar.

P . Fue una poca gloriosa. El país se moría de hambre, pero el cine era maravilloso.

R. A mí me dicen que soy una cursi cuando hablo de los estrenos de antes, de la Gran Vía con alfombra roja para que pasaran las actrices y actores vestidos con trajes sensacionales, maquillados y peinados, y ahora vas a un estreno y la mayoría llevan jeans. Entonces no nos prodigábamos tanto, no había discotecas, sino boites especiales, donde tampoco entraba todo el mundo. Había un poco de misterio, de magia. No te veían con los rulos en el supermercado.



P. Con la Pantoja trabajó en El día que nací yo, de Pedro Olea. Ha sido testigo de algo característico de nuestro país, la supervivencia de la folclórica.

R. Yo creo que es lo que más igual se ha conservado, de entonces ahora. Es algo clásico. En cuanto a Isabel, tengo una gran amistad con ella, porque fue encantadora conmigo, es todo lo contrario de lo que cree la gente, muy sencilla, que se da. Yo iba con un poquito de prevención porque, claro, era la protagonista, y yo respeto a la protagonista. Y resultó ser un encanto.

P. Es que usted se ha llevado bien hasta con las eximias mexicanas.

R. Sí, claro. Con María Félix tengo mucha amistad. No es fácil, la Doña, porque la han atacado mucho y está siempre a la defensiva, pero en la intimidad es buenísima. Con Dolores del Río también tenía mucha amistad. Fue bellísima hasta la muerte. Se hizo muy amiga de mi madre en Hollywood, y cuando yo iba a ir a México le llevé una carta a Dolores en la que ella le pedía que me atendiera, y me dio una fiesta impresionante. Y también soy amiga de Silvia Pinal.

P. Aunque usted se negó a hacer El ángel exterminador, para Luis Buñuel, porque el marido de Silvia, Gustavo Alatriste, era el productor e impuso que el nombre de su mujer fuera antes que el suyo. ¿Se ha arrepentido alguna vez?

R. No, porque se ha hablado más de la película porque no la hice que si la hubiera hecho. Yo entendí la postura de Pinal, pero mantuve la mía. Además, si hubiera sido un papel protagonista... Pero era una película coral. A don Luis Buñuel le quería y éramos amigos.

P. También sacó muy buena impresión de Orson Welles, después de trabajar con él en la película Mr. Arkadin.

R. La verdad es que me habían advertido de que era un ogro, pero fue extraordinariamente amable conmigo. Yo tenía un pequeño papel, sólo de tres sesiones, un diálogo en un bar. Él iba tomando copas y yo refrescos. Hice mi parte en español y me dijo que no hacía falta repetirla en inglés e italiano. Como terminamos en una sola Sesión, gracias a mí, estaba contento. Recuerdo que dirigía sin moverse de su silla. La cámara aquí y allá, decía. Al terminar, me acompañó hasta el coche. No podía creerlo.



P. Doña María Fernanda Ladrón de Guevara, su madre, le enseñó muchas cosas.

R. Sí. Más que a ser actriz, más que nada, mi madre me enseñó a envejecer con alegría. Que tengo años, pues qué bueno. Voy a cumplir 70 en febrero, y encantada, porque si no los cumpliera es que no estaría en este mundo. Llevarlo lo mejor posible. Tampoco tienes que ser una vieja cachucha, decir ya no me arreglo, ya ni me pinto, me afeito la cabeza y me voy con el Dalai Lama. No. Los vives lo mejor posible. Otra cosa que decía mi madre es que la vejez es la falta de curiosidad. Yo todavía tengo curiosidad por las cosas.

P. El mundo que la rodea, ¿qué le parece?

R. He vivido cosas peores. Una guerra nuestra, espantosa, cantidad de temblores, terremotos. Con todos los años que tengo he vivido muchísimas cosas, pero soy bastante optimista. Lo peor es cuando van desapareciendo los amigos, lo que ha sido tu mundo. Yo, por ejemplo, veo una película mía de hace 30 años... En este momento nada más quedamos dos personas vivas de cuantas hicimos El clavo: el gerente de producción, Enrique Balaguer, que, gracias a Dios, está como un sol, y yo.

P. Fue usted siempre rebelde e independiente. Tuvo una hija estando soltera. Duro para la época, ¿no?

R. Sí, pero tampoco ahora es una gracia. Quise tener a mi hija y no casarme, por mi voluntad. En aquella época, todas las proposiciones matrimoniales incluían que me retirara, y yo quería seguir con mi carrera, vivir normalmente. Eran tiempos en que te casabas para siempre, no había divorcio y no podías ni salir del país porque figurabas en el pasaporte de tu marido. Y yo era y soy independiente. Mi madre me aplicó el refrán de los chinos: me dio una caña y me. enseñó a pescar.

P. A estas alturas, ¿qué es lo que la rebela?

R. A mí, pocas cosas me han sacado de quicio, pero una de ellas es la injusticia, que siempre me revuelve. Lo que está pasando en Ruanda, lo que pasa en todos esos sitios, eso es una injusticia. Sobre eso, una no tiene poder, no puedes hacer nada. Mandar dinero, sí, pero ¿qué solucionas? ¿tú has visto que imágenes? Y te dices, ¿cómo será posible que yo me queje porque hace calor? Pero por lo demás, por estupideces, ya no me llevo ningún disgusto, y por cosas relativamente importantes, tampoco. Yo me acuesto todas las noches con Amparo Rivelles, y quiero estar contenta con ella y dormir divinamente.



AMPARO Y SU ESTANCIA EN MEXICO

Llego a México en los años 50 para trabajar en una obra de teatro, "Un cuarto lleno de rosas" y pensaba quedarse solo unas semanas, pero finalmente su amor por el país hizo que se quedara durante 24 años.
Aquí nació su hija María Fernanda, continuó la exitosa trayectoria que había comenzado en España y se convirtió en uno de los rostros más conocidos del cine y la televisión de México.
 Fue en 1957 cuando viajó a nuestro país para interpretar la obra de teatro Un cuarto lleno de rosas y lo que, en principio iba a ser una corta estancia, se convirtió en un exilio voluntario de más de 20 años.

En 1959, filmó su primera película en México, El esqueleto de la señora Morales, una comedia de humor negro escrita por Luis Alcoriza y dirigida por Rogelio A. González. También filmó La casa de las muchachas (1968), de Fernando Cortés; Indio (1971), de Rodolfo de Anda; Presagio (1974), de Luis Alcoriza, y La madrastra (1974), de Roberto Gavaldón. Además protagonizó obras de teatro clásico como La casa de Bernarda Alba (1980), de Gustavo Alatriste.

Su trabajo en las telenovelas es destacado con títulos como Pecado mortal (1960), escrito por Caridad Bravo Adams, La leona (1961), Doña macabra (1963), Cristina Guzmán (1966), Anita de Montemar (1967), al lado de Sara García. Participó también en Sor Juana Inés de la Cruz, Las momias de Guanajuato (ambas de 1962) y La tormenta (1967).

“México me ha dado mucho. Por ejemplo, las telenovelas, las vilipendiadas telenovelas, sirven muchísimo para los actores, porque te ves los defectos y los puedes corregir, que en una película te lo ves igual, pero no puedes tocarla. Yo amo las buenas telenovelas. Soy bastante cursi en eso, porque para mí el amor es una cosa muy importante. No sólo el amor entre hombre y mujer, sino a los amigos, a la vida, es lo más maravilloso”, opinó respecto a su estancia en el país.

Regreso. Pasiones encendidas (1978), fue la última telenovela en la que participó Amparo Rivelles en México antes de regresar a España y centrar su carrera en el teatro y el cine.





LOS AMORES DE AMPARO

Era una mujer tan discreta para sus asuntos que hasta se llevó a la tumba el nombre del padre de su hija.
Por más que le preguntaras por ellos, siempre respondía lo mismo: "No me arrepiento de haber permanecido soltera, es verdad que he tenido unos cuantos hombres a mi lado, pero unos están casados y el resto están muertos. Ni quiero destrozar matrimonios ni hacer que algunos se revuelvan en sus tumbas. Es mejor mantener esos nombres en secreto".
Solamente en un ocasión estuvo tan cerca del altar que incluso ya se habían mandado las invitaciones de boda y hasta citado al cura. Pero cinco días antes del enlace, la novia se echó atrás y dejó plantado al que iba a ser su futuro marido, Alfredo Mayo, uno de los galanes de la época.


Amparo justificó aquella marcha atrás con un "he hecho caso a mi madre y no voy a casarme tan joven. Además, Alfredo es tan guapo que habría sentido celos a su lado toda la vida. Ha sido mi primer y único novio, le quiero mucho, pero la boda se ha anulado cinco días antes de su celebración. Y no me arrepiento de ello".

En el horizonte apareció entonces otro artista en su vida, Jorge Mistral, al que sus fans definían como "agraciado de cara y menguado de estatura". Usaba alzas para parecer más alto, y aquella historia de amor no tuvo gran trascendencia.

La Rivelles nunca contrajo matrimonio, nadie fue capaz de llevarla al altar. A comienzos de los 50 afrontó en solitario la maternidad de su hija María Fernanda, que le daría dos nietos. Su nieta Amparo, residente en México, falleció en el verano de 1981 con 8 años víctima de un lupus erimatoso. Uno de los episodios más duros en la vida de la artista.

En relación a la identidad del padre de María Fernanda, circula una versión cercana al mundo militar. Según nos desvela la viuda de un general que prefiere ocultar su nombre, "Amparo estuvo ennoviada con un capitán que estaba destinado en el antiguo Cuartel General del Ejército de la Plaza de Cibeles, un hombre muy guapo pero con la mano demasiado larga. Tanto, que se quedó con la paga entera de un mes de algunos de sus compañeros y huyó a tierras mexicanas. Amparo se fue con él, pero la historia acabó con los huesos de ese militar en una cárcel española y con la Rivelles llorando su ausencia desde México y con una hija pequeña". Su madre, María Fernanda, fue entonces su gran respaldo.

Con el paso de los años, la actriz vivió diversos (y ocultos) romances en tierras aztecas. Se cuenta que el más escandaloso la unió a un personaje relacionado con las altas instancias gubernamentales de aquel país, alguien muy cercano al presidente López Portillo.

Los dos se mostraban en público sin tapujos, a pesar de que aquella relación resultó un escándalo en el seno de la sociedad más puritana de la época. Amparo hizo caso omiso a las malas lenguas y vivió aquel amor con tal pasión e intensidad que la ruptura fue un trauma para ella. Entonces decidió regresar a Madrid.

Tras su vuelta a España, tras casi un cuarto de siglo viviendo en el extranjero, Amparo no se dejó ver jamás con acompañante masculino alguno. Acudía a los actos sociales rodeada de amigos y amigas.Vivió muy centrada en su profesión y, desde entonces, sus grandes amores fueron su hija y su nieta.

Cuando salía el tema del misterioso padre de María Fernanda, la respuesta era siempre la misma: "¿El padre de mi hija? Y qué más da, si yo soy la que la ha parido. Siempre he preferido el amor sin matrimonio que el matrimonio sin amor. Es mejor no complicarse la vida firmando documentos"





Sobre su condición de madre soltera explicaba, lo llevaba con orgullo: "Tuve suerte, claro, porque nunca recibí ni un desprecio, ni una mala cara de nadie, al contrario, todo el mundo me paraba por la calle me decía ¡Ay, Amparito, nos han dicho que tiene usted una niña preciosa, ¿cómo se llama?". A los 49 años se convirtió en abuela.



AMPARO Y LAS TELENOVELAS

La actriz ya contaba con una gran trayectoria en su tierra natal España, pero fue contratada en México y, al igual que otros grandes actores de antaño, se quedó por más tiempo de lo planeado y dentro de su gran carrera tuvo la oportunidad de protagonizar más de una telenovela de éxito.


Su trabajo es destacado con títulos como ‘Pecado mortal’ (1960), escrita por Caridad Bravo Adams, ‘La leona’ (1961), ‘Doña macabra’ (1963), ‘Cristina Guzmán’ (1966), ‘Anita de Montemar’ (1967), al lado de Sara García. Participó también en ‘Sor Juana Inés de la Cruz’, ‘Las momias de Guanajuato’ (ambas de 1962), ‘La cruz de Marisa Cruces’ (1969), y ‘La tormenta’ (1967).

En 1973 interpretó a ‘Rita Hernández’ en ‘La hiena’ (1973), donde hizo por primera y única vez un personaje antagónico, como una malvada mujer que le hacía la vida imposible a la hija adoptiva de su suegro, interpretada por Ofelia Medina.




Su último melodrama en México fue ‘Pasiones encendidas’ (1978), producido por Ernesto Alonso y escrito por Fernanda Villeli y Marisa Garrido, junto a Andrea Palma, Carlos Bracho, Susana Alexander, Aarón Hernán, Rita Macedo, María Rubio, Julieta Egurrola y futuras promesas como Valentín Trujillo y Verónica Castro.


Uno de los grandes clásicos dentro del mundo de las telenovelas. La Leona es una producción de Telesistemas Mexicanos (hoy Televisa) en 1961, con episodios de 30 minutos de duración. La producción estuvo a cargo de Ernesto Alonso, quien a su vez fue el director general. Esta telenovela protagonizada por Amparo Rivelles, también contó con la participación del propio Ernesto Alonso, Jacqueline Andere y por Guillermo Murray. Además contó con las destacadas actuaciones de Augusto Benedico, Prudencia Griffel, Luis Bayardo, Gerardo del Castillo, Malena Doria y Ada Carrasco.

La Leona cuenta la historia de Alicia, (notable Amparo Rivelles), una mujer que es seducida, maltratada y abandonada por un despreciable hombre, (Guillermo Murray). Producto de dicha tormentosa relación, Alicia tiene una hija, (Jacqueline Andere de adulta y María Antonieta de las Nieves de niña), quien la desprecia principalmente por ganarse la vida en un cabaret. Con el paso del tiempo, Alicia se vuelve dura y vengativa, todo lo contrario para con su hija a quien adora y desea lo mejor para ella. Su vida se convierte en un verdadero calvario hasta que encuentra el apoyo de un hombre maduro (Augusto Benedico) y el amor verdadero (Ernesto Alonso). 


Sin temor a equivocarnos la Rivelles tuvo su consagración con esta producción por la versatilidad de los conflictos que tuvo con su personaje, una mujer seducida, abandonada y posteriormente vengativa al cien por ciento. Nadie como la Rivelles para encantar y para ser odiada a la vez por sus miles de televidentes quienes seguían diariamente esta corta pero exitosa producción.


Una de las primeras telenovelas en las que se enfoca el argumento de las hermanas gemelas, una buena y la otra mala. Cristina Guzmán es una historia de Caridad Bravo Adams bajo la producción de Ernesto Alonso. Realizada en 1966 con la participación de Amparo Rivelles, Enrique Rocha y Ernesto Alonso.

La telenovela cuenta la historia de dos hermanas gemelas: Cristina y Claudia, (maravillosamente interpretadas por la gran Amparo Rivelles), la primera inocente y buena, y la segunda intrigosa, inescrupulosa y mentirosa, quien finalmente usurpa el puesto de su hermana y trata de conseguir al hombre que desea. 


La Rivelles nuevamente se luce en una papel histriónico soberbio donde dejaba traslucir la facilidad con la que pasaba de buena a mala y viceversa con gran talento.

Sin duda, ya la Rivelles era la reina de las telenovelas y fue el primer paso para volver a realizar otra historia de éxito interpretando a una villana en "La Hiena" de 1973.


Tal fue el éxito de Cristina Guzmán que en adelante los productores comenzaron a explorar este tipo de argumento realizando títulos posteriores que tuvieron cierta similitud con este clásico. Títulos como "Sandra y Paulina" con Jacqueline Andere, "La gemelas" con Maricruz Olivier, "El hogar que yo robe" con Angélica María e incluso su remake, "La Usurpadora" con Gabriela Spanic, son algunos ejemplos de este tipo de guiones.


Ya en los setenta Caridad Bravo Adams escribe el guión de esta historia pensada especialmente para Amparo Rivelles. La hiena fue otra exitosa telenovela mexicana producida por Ernesto Alonso para Televisa en 1973. La actriz española estelarizó esta producción como la villana de la historia, acompañada por un gran elenco conformado por Ofelia Medina, Carlos Bracho, Nelly Meden, Enrique Rocha, Gloria Marín y Tony Carbajal, entre otros.

"La Hiena" transmitida por canal 4 (hoy América televisión) fue todo un suceso. Las maldades de Amparo Rivelles y los sufrimientos de Ofelia Medina complacieron a la teleaudiencia. 


Sin duda Amparo Rivelles fue una de las grandes actrices de telenovelas. Su amplia trayectoria y su incursión en este género contribuyeron para el surgimiento de estas producciones. Con justicia está considerada como una de las mejores actrices del género. Pocas veces igualada.


ULTIMA ETAPA DE ACTRIZ 
Amparo logró el Premio Goya en la categoría de Mejor Interpretación Femenina Protagonista durante la primera edición de la entrega fílmica, gracias a su labor en la adaptación cinematográfica de la pieza Hay que deshacer la casa, que rodó en 1986 José Luis García Sánchez.

Ese mismo año fue Doctora Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Valencia, siendo la primera actriz en recibir tal honor. A pesar de no haber vivido nunca en Valencia, se sentía muy vinculada a esta ciudad, de la que fue hija adoptiva, ya que en ella estaban sus orígenes.

En la primera década del 2000 Amparo Rivelles centró sus esfuerzos en el teatro obteniendo el Premio Nacional Pepe Isbert, el Miguel Mihura, el Lope de Vega, el Jorge Fiestas de Cine, el Ercilla, la medalla de Oro de Bellas Artes y el Mayte.

“He nacido en el teatro, pero me gustaría morir en casa, no sobre un escenario”, dijo Amparo Rivelles a El País en 2001, cuando su obra Paseando a Miss Daisy cumplía una exitosa temporada en Madrid.



Pese a que en el 2004 anunció que la representación de La brisa de la vida, que encabezaba junto a Núria Espert, podría ser su última obra, dijo adiós a la actuación en enero de 2006 tras una representación de la puesta en escena La duda en Santander.





ENLACE A ENTREVISTA REALIZADA PARA LA
CADENA ESPAÑOLA TVE:



CORTESIA DE KHRIS CORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"


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BENY MORÈ

(24 AGOSTO 1919- 19 ABRIL 1963)





Nacido en  CUBA, Beny Morè uno de los grandes iconos de la musica en cuba, hablar de Beny More , nos remonta a canciones como : "bonito y sabroso",""Donde estabas tù", "pachito  eche", destaco en los ritmos de :son montuno, el mambo y el bolero, ademas de la guaracha, rumba, sones ,guanguacos.

Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez (Santa Isabel de las Lajas, 24 de agosto de 1919 - La Habana, 19 de febrero de 1963), conocido como Beny Moré o El Bárbaro del Ritmo o El Sonero Mayor de Cuba, fue un cantante y compositor cubano.




BIOGRAFIA BY

Raúl Martínez Rodríguez | La Habana

Bartolomé Maximiliano Moré, conocido como Benny Moré, nació a las 7:00 am del 24 de agosto de 1919, en el barrio Pueblo Nuevo del poblado de Santa Isabel de las Lajas, en la antigua provincia de Las Villas, y en la actualidad perteneciente a Cienfuegos. Sus padres fueron Virginia Moré y Silvestre Gutiérrez, pero por razones de índole familiar, Bartolomé llevaría como primer y único apellido el de su madre: Moré. Virginia Moré trajo al mundo dieciocho hijos, de los cuales Bartolomé fue el mayor. Poco después del nacimiento del primogénito la familia se mudó para el humilde barrio La Guinea, también en Santa Isabel de las Lajas, donde transcurrió la infancia de Bartolomé. Allí el niño recibió una influencia determinante para su futura carrera como músico, gracias a la existencia de una cofradía de negros denominada Casino de los Congos o San Antonio, fundada en el siglo XIX por un grupo de negros congos libertos, traídos mucho antes del África central y occidental.

En 1930 Bartolomé contaba once años de edad. Por esa época Virginia Moré se había trasladado, en busca de trabajo, al central Vertientes (hoy Panamá), en la provincia de Camagüey, mientras Bartolomé y Teodoro se quedaban bajo los cuidados de su abuelo, en Santa Isabel de las Lajas. Una noche los niños, extrañando a su madre, y por iniciativa de Bartolomé, se escaparon hacia Camagüey con el firme propósito de verla y ayudarla en su trabajo como lavandera de varias familias pudientes del lugar. Bartolomé cooperaba con ella en todo: recogía y repartía la ropa, después de lavada y planchada, y hasta se quedaba despierto en las madrugadas, según él para evitar que Virginia se durmiera y se quemara con la plancha de carbón. 


Desde principios de la década del treinta, la vida de los Moré no dejaría de estar vinculada a la provincia de Camagüey, especialmente al central Vertientes, con estancias más o menos prolongadas en Santa Isabel de las Lajas y La Guinea, donde seguía residiendo el resto de la familia. A medida que fue creciendo, los primeros compañeros artísticos que tuvo Bartolomé Maximiliano fueron José Luis Bolívar, Blas Olamo, Enrique Benítez, Julio Escharri, Manolo Mena, Víctor Landa, y Alejandro Castellanos, con quien perfeccionó la manera de tocar el tres y la guitarra. Junto a ellos participó en serenatas, enamoró mujeres y se aficionó a los tragos de ron y aguardiente de caña. Sin abandonar su labor como carretillero en el central Vertientes, integró de forma un poco más profesional, con varios jóvenes, el Conjunto Avance. Lo acompañaron en dicha agrupación los músicos Horacio Landa, Enrique Benítez y Cheo Casanova. 






En 1936, y con quince años de edad, Bartolomé era un mulato espigado, de gesto nervioso y dueño de una hermosa y bien timbrada voz de segundo, a pesar de ser una voz aguda. También se acompañaba con soltura y musicalidad con el tres o la guitarra. Con el Conjunto Avance ganó celebridad, peregrinando por bailes, guateques y fiestas de pueblos y caseríos, rodeado siempre de hombres alegres y mujeres de cuerpos bronceados por el sol y olores a manigua y caña de azúcar. Más tarde, y como un desprendimiento del mencionado conjunto, se organizó un trío con Cheo Casanova (voz prima y guitarra segunda), Enrique Benítez (voz falsete y guitarra prima) y Bartolomé Moré (voz segunda y maracas), antiguos componentes del Conjunto Avance. Como era de suponer, la música no rendía lo suficiente, ni siquiera para sobrevivir, y Bartolomé se vio obligado a mantener en el central su puesto de carretillero de sacos de azúcar. 

Ese mismo año realizó un intento de establecerse en La Habana, ocasión en que se vería obligado, junto a su tío Tomás Armenteros, a vender frutos menores de ínfima calidad por los portales del Mercado Único de La Habana. A causa de su inexperiencia y juventud, y a la pésima situación económica en que se encontraba el país, a los seis meses tuvo que regresar con los suyos. De nuevo en Camagüey, hace pareja con su hermano Teodoro, esta vez para cortar caña de azúcar. A la vez, prosigue su incansable vida de andarín, de trovador, con la idea más fija que nunca de conquistar la capital con su voz. 

Con casi veinte años de edad, en 1940 Bartolomé se despidió de su madre en el hotel Ritz del central Vertientes, donde ella trabajaba, y viajó escondido, indistintamente, en un tren y en un camión, a la ciudad de La Habana. Antes de llegar a la capital se bajó en el pueblo de Catalina de Güines, y, sin conocerlo, se presentó al popular cocinero El Congo, creador de unas famosas butifarras e inspirador del conocido son “Échale salsita”, de Ignacio Piñeiro. El Congo, al verlo tan joven, flaco y hambriento, le dio de comer y le ofreció algún dinero para que pudiera seguir hasta La Habana. 

Esta vez venía definitivamente a probar fortuna a la bulliciosa ciudad. Desde entonces se le vería por el célebre barrio de Belén, con una guitarra comprada en una casa de empeños, deambulando por cafés, bares, hoteles, restaurantes, y hasta prostíbulos. También actuaba para los turistas, en los muelles de La Habana Vieja. De vez en cuando se daba una vuelta por el cabaret Panchín, de la Playa de Marianao, para oír cantar a Pachito Reset. En sus momentos de soledad, aún recordaba lo que antes de partir le había dicho a su madre Virginia: “Me voy para La Habana a ver si triunfo en la música, para que tú no tengas que lavar y planchar más.” 

Existen referencias de que en dos ocasiones se presentó en el programa de radio La corte suprema del arte, de la antigua emisora CMQ, de Monte y Prado, y en una de esas veces ganó un primer premio. En el barrio de Belén, donde residió en esa época, formó el dúo Bartolo–Anselmo, y con él recorrió los recodos de la ciudad, cantando para obtener como propina unas monedas acompañadas de un trago, lo que resultaba común en el país entre los llamados “artistas cubanos” ambulantes. Era muy usual verlo trasnochado, con los ojos nublados por el ron Palmita y con frecuencia enamorado, pero siempre encantando a todos con su gracia criolla. 




Por esos años, Bartolo –con ese nombre lo empezaron a llamar en La Habana– formó parte del Cuarteto Cordero y del Septeto Fígaro, bajo la dirección de Lázaro Cordero, y con ellos apareció en distintos espacios radiales de la emisora CMW. Más tarde fue integrante del Conjunto Cauto, de Mozo Borgellá. Por la precaria economía de esos años, los contratos para bailes eran exiguos. Las plantas de radio solo pagaban por una transmisión, cuanto más, veinte centavos: diez para el pasaje del tranvía y los otros diez para un café con leche. Daba entonces más resultado trabajar la calle como artista ambulante. 

Poseedor de una voz fresca, de hermoso timbre, sensual y evocadora, de campesino negro, no obstante su miseria, Bartolo seguía cantando con toda la fuerza interior que le reclamaban los ritmos cubanos. Para suerte de él y de la música nacional, en una de sus correrías Siro Rodríguez, integrante del famoso Trío Matamoros, lo escuchó cantar en el bar del restaurante El Templete, de la Avenida del Puerto, y quedó muy impresionado por la voz y afinación del muchacho. Tal hecho, en ese momento sin mayor trascendencia para Bartolo, más tarde repercutiría favorablemente en la evolución de su carrera artística. 

En 1944 el joven vocalista se presenta, como otras veces, en la emisora radial Mil Diez, junto al Septeto Cauto, de Mozo Borgellá. Miguel Matamoros, guitarrista, compositor y cantante, regresa en 1945 de un viaje, y de inmediato tenía que cumplir con su conjunto un compromiso contraído anteriormente con la mencionada planta radial, pero estaba disfónico y debía hacer reposo de voz. La solución fue pedirle a Borgellá uno de sus cantantes primos, para que actuara con él durante los días que durara el contrato, y, por supuesto, las sobradas aptitudes, y las excelentes referencias que dio Siro Rodríguez, hicieron que el escogido fuera Bartolo. Con el tiempo, la meritoria labor y el buen carácter del joven sonero se fueron haciendo imprescindibles al Conjunto Matamoros, lo que motivó que se quedara fijo. (3) 

La entrada de Bartolomé al conjunto de Miguel Matamoros se puede considerar su verdadero debut como cantante profesional, pues con dicha agrupación tuvo por primera vez un trabajo estable como músico y realizó sus primeras grabaciones en discos –de 78 revoluciones por minuto–, entre ellas las tituladas “Penicilina”, de Alberto Valdés; “Malos vecinos” y “Ofrenda criolla”, de Miguel Matamoros, y “Mexicanita”, de Nené Enrizo. Oír por primera vez su voz grabada le causó a Bartolo una rara impresión. Se dice que se paseaba por todo el estudio de grabaciones con las manos sobre la cabeza, llorando y riendo como un niño. 

A partir del encuentro con Miguel Matamoros, la carrera como cantante de Bartolo se puede catalogar de vertiginosa. No solo tuvo un trabajo duradero, sino también realizó ese mismo año 1945 su primer viaje a México, país en el que se consagraría como cantor popular. En sus inicios en la capital mexicana se presentó con el Conjunto Matamoros en salones de baile, cabarets, teatros, y en varios programas de la radio emisora XEW, la renombrada “Catedral de la Radio de México”. Actuó además en los centros nocturnos Montparnasse y Río Rosa, alternando con el famoso conjunto Son de Veracruz, dirigido por Raúl de la Rosa. 

Cuando finalizaron los contratos del conjunto en México, Miguel Matamoros decidió regresar a Cuba, pues lo esperaban otros compromisos, pero Bartolo determinó quedarse. Los motivos fueron, en primer lugar, su casamiento con la enfermera Juana Bocanegra, y en segundo, las relaciones afectivas y de mutua estimación que se habían creado entre él y el público mexicano. Al comunicarle su decisión al famoso autor del son “El que siembra su maíz”, Miguel Matamoros le respondería: “Está muy bien, pero tienes que cambiarte el nombre de Bartolo, que es muy feo. Con él no vas a ir a ninguna parte”. “Tiene usted razón –le contestó Bartolo–, desde hoy me llamaré Benny, sí, Benny Moré.” 






En los primeros meses del año 1946, empezó su residencia en la populosa ciudad de México, con su desconocido pero definitivo nombre de Benny Moré; artísticamente solo, y con escaso dinero, se le presentaron algunas dificultades de tipo sindical, que le impidieron por breve tiempo continuar con su labor como artista en ese país. Esto pondría una vez más a prueba su tesón y su definitiva voluntad de triunfar. Entre las primeras personas que le ayudaron a salvar los obstáculos estuvieron los mexicanos Pancho Aguirre, dueño del cabaret La Rosa; el actor de cine Antonio Badú, y el cubano Clemente Piquero (Chicho), bongosero de la afamada orquesta del notable pianista, compositor y arreglista mexicano José Sabre Marroquín. 






En menos de un año Benny Moré formó el Dueto Fantasma, en unión del director de orquesta y cantante mexicano Lalo Montané, y la calidad y afinidad de ambos les permitía alternar sus voces de primo y segundo. Tuvieron tanto éxito, la demanda del dúo fue tanta, que se vieron obligados a doblar sesiones en el club Fénix y el cabaret La Rosa, entre otros. Con el Dueto Fantasma Benny Moré efectuó algunas grabaciones para los discos RCA Victor acompañado por orquesta y conjunto bajo la dirección y arreglos del propio Lalo Montané –entre ellas las tituladas “Mucho corazón” (bolero), de Enma Elena Valdelamar; “Encantado de la vida” (mambo), de Justi Barreto; “Ensalada de mambo”, creación del propio Benny Moré, y “A media noche” (bolero), de Pablo Cairo. También para el sello RCA Victor grabó, con el acompañamiento de la conocida orquesta del cubano Mariano Mercerón, “Me voy pa’l pueblo” (guaracha), de Mercedes Valdés, y “Desdichado”, de su propia inspiración, entre otras obras. Desde los primeros momentos estas versiones discográficas tuvieron enorme éxito de venta, así como excepcional aceptación en discotecas, programas radiales y victrolas traganíckeles. Este éxito abarcó todo México y diferentes países de la América de habla hispana, y tuvo como consecuencia que, de inmediato, Mariano Rivera Conde, director artístico de la ya mencionada firma disquera, le hiciera firmar al Benny un contrato de exclusividad, con la obligación de grabar una cantidad de obras, en cualquier país en que el artista se encontrara y con varias agrupaciones bajo la égida de la RCA Victor, como las orquestas de Mariano Mercerón, Rafael de Paz, Lalo Montané, Arturo Núñez, Chucho Rodríguez y Dámaso Pérez Prado. 

En 1947 Benny Moré contaba veintiocho años de edad y se encontraba ya en un momento de madurez artística y en plenitud de sus facultades vocales y musicales. Con su innata intuición podía, sin necesidad de transición, contar desde una picaresca guaracha hasta un amoroso bolero; pasar de un cadencioso son–montuno al vigor rítmico del merengue, la plena o el porro, y luego acometer un sincopado mambo. Para asombro de todos, esto lo hacía diariamente y con la mayor naturalidad en sus actuaciones en vivo en la radio, cabarets, teatros y en grandes y prestigiosos salones de baile, para el disfrute de los buenos bailadores que siempre han abundado en México. 




Beny Moré con Felix ChappottinFoto tomada del libro: "Perlas del Caribe"


A finales del año 1947 se suceden otros logros artísticos del cantante, acompañado de nuevo por la agrupación dirigida por el maestro Mercerón. Cada día se consolidaba más el nombre de Benny Moré. Por todas partes se oían y tarareaban “La cocaleca”, de Víctor Caballé, y “Parece que va a llover” (Merengue), de Antonio Mata. La clave de la entusiasta aceptación pública de estas obras –a veces nuevas versiones de números de los cuales ya se tenían referencias sonoras por anteriores intérpretes– estribaban en la originalidad y el nuevo estilo aportados por el cantante cubano, y el éxito alcanzado con estas obras le permitió al artista penetrar en el difícil mundo del disco en América Latina. Por otra parte, tenía la gran posibilidad de grabar en buenos estudios y sentirse respaldado por directores y músicos dueños de acreditadas agrupaciones, bajo la regencia de la internacional firma RCA Victor. Con Rafael de Paz pueden recordarse sus chispeantes versiones de títulos que aún siguen haciendo las delicias de los amantes de la música latina en el mundo entero: “Yiriyiribón” (mambo), de Silvestre Méndez; “Bobo de la yuca” (guaracha), de Marcos Perdomo, y “Oh, Bárbara” (mambo), de Miguel A. Valladora. 

La entrada de Benny Moré en 1948 como primer cantante de la que sería posteriormente la célebre gran orquesta de Dámaso Pérez Prado, resultó de suma trascendencia para su vertiginosa carrera, pues le sirvió de puente para su consolidación definitiva como mítico cantor. Con este encuentro se reunieron dos genios: en Benny Moré estaban el talento y la intuición natural; en Pérez Prado, además de todo eso, el dominio de la técnica y una enorme facilidad para hacer música. De esta feliz unión surgieron infinidad de grabaciones que aún en nuestros días mantienen intactos no solo sus valores musicales, sino también su gracia y su frescura. Como ejemplo de lo que afirmamos, nos vienen a la memoria títulos como “Panchito e’ché” (mambo), de Alegro Tovar; “Rabo y oreja” (mambo), de Justi Barreto; “Barbarabatiri”, de Antar Daly, y “Bonito y sabroso” (mambo), del propio Benny Moré.





Una de las primeras presentaciones que efectuó Benny Moré en vivo con la famosa orquesta de Pérez Prado fue en 1949, en el espacioso teatro Blanquita de Ciudad de México, ocasión en que centralizaron el espectáculo “Al son del mambo”, respaldado por la presencia de un público particularmente entusiasta: tanto Benny Moré como Dámaso Pérez Prado y su nuevo ritmo mambo, habían llegado a la cima de la popularidad. Ya por esa época la voz de Benny era conocida en Panamá, Colombia, Brasil, Puerto Rico, Haití, Venezuela, y desde luego, en su natal Cuba. 

En el alegre mundo de la vida nocturna de Ciudad México, el cantante cubano actuó en infinidad de teatros, entre otros el Margo, el Blanquita, el Folliers y el cabaret Waikiki, alternando con artistas de tanto renombre como la legendaria vedette Yolanda Montes (Tongolele), la mexicana Toña la Negra, y el destacado pianista y compositor cubano Juan Bruno Tarraza, de quien Benny cantó el bolero “Ya son las doce”. En la llamada “época de oro” del cine mexicano, su imagen y voz fueron recogidas en varias producciones cinematográficas, como “Novia a la medida”, “En cada puerto un amor”, “Fuego en la carne”, “Ventarrón” y “Carita de cielo”. 




A Panamá viajó en 1949 junto a Pérez Prado, para actuar en los fabulosos carnavales de aquel país, donde ya era muy conocido y estimado. 

Durante los cuatro años de labor intensa como cantante en México, la voz de Benny había adquirido una mayor extensión, especialmente en los registros graves. Nuevos matices, expresividad y una gran ductilidad estaban presentes en todo lo que interpretaba. La faena diaria con profesionales de sólida formación musical de la calidad de Mariano Mercerón, Rafael de Paz y en especial los conceptos novedosos de Pérez Prado, habían influido en el cantante sensible que era Benny Moré, quien muy pronto asimiló un criterio moderno de la armonía y la orquestación, que procedía de las mejores agrupaciones norteamericanas de tipo jazzband. Pero, por supuesto, todo ello filtrado y recreado con un lenguaje, en lo melódico y en lo rítmico, “a lo cubano”, y respaldado por la brillante sonoridad de una verdadera banda, en la que sobresalían los saxofones y las trompetas. Convencido de la validez de este estilo, Benny Moré prácticamente había renunciado a ser acompañado de otra manera. 

Desde su temprana época de trovador trashumante y de su dueto con Lalo Montané, eran proverbiales el sentido armónico y las amplias posibilidades vocales de Benny para “hacer voces”. Viendo en ello un filón económico, la dirección artística de la RCA Víctor le hizo grabar a lo largo de los años varios discos de boleros y guarachas a dúo con algunas afamadas figuras contratadas por el mismo sello. Con ese magnífico tenor mexicano Pedro Vargas vocalizó el Benny los boleros “Perdón y Obsesión”, del puertorriqueño Pedro Flores, “Solamente una vez” (bolero), del mexicano Agustín Lara, y “La vida es un sueño” (bolero), del cubano Arsenio Rodríguez; en “Alma libre” (bolero), de Juan Bruno Tarraza, unió su voz a la del carismático tenor venezolano Alfredo Sadel. Con el cancionero Tony Camargo cantó los boleros “Esta noche, corazón” y “Sin razón ni justicia”, de Chucho Rodríguez, y la guaracha “Deja que suba la marea”, de Otilio Portal. Los acompañamientos corrieron a cargo de las orquestas de Pérez Prado, Chucho Rodríguez, Benny Moré y la notable agrupación del venezolano Aldemaro Romero. Todavía se recuerdan sus dúos ocasionales con Roberto Faz y Paulina Álvarez, y el histórico con Joseíto Fernández, el creador de la célebre “Guajira guantanamera”. En un programa de radio en que coincidieron, ambos improvisaron con la música de la famosa tonada, de lo cual, por fortuna, ha quedado testimonio para la posteridad en una grabación. Estos dúos ocasionales, caracterizados por el alto nivel interpretativo de sus compañeros de canto, hicieron posible al Benny lucirse vocalmente, pues sus cualidades le permitían pasar, en una misma obra, de la voz prima a la segunda, o de esta a la prima, de forma que puede calificarse sin titubeos como virtuosa. 



Desde 1945 hasta 1950 Benny Moré residió en Ciudad México. Aunque en ese hermoso país, tan entrañable para los cubanos, había forjado afectos, triunfado plenamente y adquirido un sólido prestigio artístico, en el fondo no se sentía realizado. La nostalgia por su familia y amigos, por la patria, y el deseo de obtener laureles en su Isla, donde consideraba que no era conocido lo suficiente, fueron razones de peso para que a comienzos de los años cincuenta el Sonero Mayor se encontrara definitivamente en Cuba. Había dejado atrás comodidades, satisfacciones materiales y espirituales, amigos y hasta los amores que no suelen faltar a los triunfadores. 

A su llegada a la ciudad de La Habana, decidió estar un tiempo con su madre Virginia Moré y sus hermanos en Vertientes y en su querida Santa Isabel de las Lajas. Al regresar a la capital coincidió con una de las estancias en Cuba de Mariano Mercerón y su orquesta: muy identificados por sus anteriores actuaciones en México, Benny y Mercerón se ponen de acuerdo de inmediato y aceptan un primer contrato para presentarse durante una larga temporada en el estelar programa de radio De fiesta con Bacardí, transmitido por la emisora Cadena Oriental de Radio desde la ciudad de Santiago de Cuba hacia toda la Isla. En esta oportunidad los cantantes Fernando Álvarez y Pacho Alonso, en los inicios de su carrera como vocalistas, le hicieron el coro a Benny Moré. Desde los primeros programas que salieron al aire se suceden varios éxitos en la voz de Benny con la orquesta de Mercerón. Son los primeros en su tierra, a pesar de que muchos de esos números eran populares en otros países. No lo podía negar: era feliz. 

Una vez finalizado el compromiso en la casa Bacardí y el maestro Mercerón, en 1952 Benny Moré regresó a La Habana, reclamado por Amado Trinidad Velazco, “El Guajiro de Las Villas”, dueño de la emisora radial RHC Cadena Azul, una de las plantas más poderosas de la época. La urgente solicitud sería para que el cantante cumpliera una delicada misión: según me dijera en conversación personal muchos años después el destacado musicólogo cubano Leonardo Acosta, “solo el Benny pudo con su hondo sentido asimilar y ensayar el nuevo ritmo Batanga”, creado por el sobresaliente pianista, arreglista y director de orquesta cubano Bebo Valdés. Desgraciadamente, después de la salida de varios programas, el ritmo batanga, a pesar de ser interesante desde el punto de vista musical, no tuvo la repercusión que se esperaba, es probable que por la falta de un mejor horario y del apoyo financiero de un anunciante que pagara los gastos de la llamada Super–Banda de Bebo Valdés, sus arreglos y excelentes músicos. 

Contratado Benny por la popular emisora Radio Progreso, la con justicia llamada “Onda de la Alegría”, se hace acompañar por la orquesta de Ernesto Duarte, una de las mejores agrupaciones existentes en aquellos años. En estas transmisiones diarias en vivo y con público que colmaba el estudio–teatro de la planta, era donde se podía entender la genuina identificación del artista con su pueblo. 





Como la RCA Victor mantenía a Benny sujeto a un contrato, muy rápido comienzan a salir sus discos de 78 y los primeros de 45 revoluciones por minuto, acompañados por la orquesta del maestro Duarte, grabaciones que se vendían como pan caliente en las tiendas y discotecas de la Isla. Ya por esos años el Benny contaba con la facultad de convertir simultáneamente varias de sus grabaciones en hits parades en la radio, y sus números se oían en cada esquina en que hubiera un bar con una victrola. El bolero cubano iba adquiriendo con él connotación y estilo nuevos, irrepetibles para otros intérpretes. Lo que cantara el Benny, prácticamente no lo podía cantar nadie más. Son de la preferencia popular en los primeros años de la década del cincuenta los boleros “No me vayas a engañar”, de Osvaldo Farrés; “Por ser como tú eres”, de José Badán Slater, y “Cómo fue”, de Ernesto Duarte; y asimismo los sones montunos “Adiós, Palma Soriano”, de Ramón cabrera, y “Bombón de pollo”, de su compadre Enrique Benítez. 

Aunque desde los primeros momentos la asociación Benny–Duarte dio resultados positivos en los aspectos económicos y artísticos, pronto se vio afectada por algunas desavenencias entre ambos, que se fueron agravando hasta llegar a la ruptura de su unión. Se dice que el motivo fundamental fue la discriminación racial practicada por Duarte, ya que el Benny se percató de que este mantenía una orquesta integrada solo por blancos, para la televisión, teatros, bailes y fiestas particulares. Según decían, y él aseguraba haberlo confirmado, no lo llevaban a él por ser negro. Benny Moré se quejó a la RCA Victor, cuya gerencia le dio toda la razón, mantuvo su parte en el contrato y reconoció que, entre los dos, la figura real que “vendía” era la de Benny Moré. A partir de ese instante se fortaleció de nuevo en el cantor su viejo anhelo de cantar con una orquesta propia que respondiera a sus intereses artísticos y, por supuesto, económicos. 



Mientras reflexionaba acerca de cómo organizar su banda, a principios de 1953 a Benny Moré le ofrecieron grabar para la firma discográfica cubana Panart, acompañado por la ya famosa Sonora Matancera, de Rogelio Martínez. De plano se negó, ya que, según sus propias palabras, “esa sonora nunca le había sonado”. Pienso que el verdadero motivo de su rechazo fue que ya por esos años, como se ha dicho, estaba acostumbrado a sentirse apoyado por toda la violencia sonora y los buenos arreglos de las bandas integradas por metales. Sin embargo, por esa justa determinación del artista, los coleccionistas perdimos la gran oportunidad de contar en nuestra fonoteca con alguna curiosa e inestimable grabación de las tantas veces antologaza Sonora Matancera acompañando a Benny Moré.  

Con su fama y el prestigio de su nombre, no le fue difícil a Benny agrupar, por los meses de julio y agosto de 1953, algunos de los mejores instrumentistas del país, con el fin de formar su primera Banda Gigante, la legendaria tribu, como le gustaba llamarla. Los primeros participantes de su orquesta fueron Ignacio Cabrera, Cabrerita (pianista y arreglista); Miguel Franca, Santiago Peñalver, Roberto Barreto y Virgilio Bizama (saxofones); Alfredo Santiago Chocolate Armenteros, Rigoberto Jiménez y Domingo Corbacho (trompetas); José Miguel (trombón); Alberto Limonta (contrabajo); Rolando Laserie (batería); Clemente Piquero, Chicho (bongó); Tabaquito (tumbadora) y Fernando Álvarez y Enrique Benítez (cantantes–coro). Los primeros ensayos se efectuaron en un local de la Calzada de Infanta y Pedroso, en el barrio del Cerro. Por la excelente calidad de los músicos y los arreglos, desde los ensayos iniciales el sonido de la orquesta fue impresionante y, como se dice entre músicos, “a lo macho”. El esperado debut se produce el 3 de agosto de 1953, en el conocido programa Cascabeles Candado, de la antigua CMQ Radio. 




Por la alta audiencia de la emisora, la nueva orquesta de Benny Moré fue conocida de inmediato en toda Cuba, y los contratos para amenizar bailes y verbenas no se hicieron esperar –el primero de ellos se llevó a efecto en la Colonia Española del pueblo de Placetas, hoy provincia de Villa Clara. Por esta época, asimismo, realiza frecuentes presentaciones en emisoras nacionales como CMQ Radio y Radio Progreso; y en la televisión, en el Show del mediodía y el Cabaret Regalías, del canal 6. También en los famosos shows de variedades de los fastuosos teatros Warner, del Vedado, y América, de la calle Galiano, entre otros. Por supuesto, reanuda sus comprometidas y esperadas grabaciones con su firma discográfica, las cuales pronto se ponen a la venta en toda América. 

A mediados de 1954, Benny Moré ya era conocido por el sobrenombre de El Bárbaro del Ritmo, reiterado por un público que lo idolatraba. El origen del apodo, según Israel Castellanos (delegado de la orquesta), tuvo lugar en Santiago de Cuba: 

“… estábamos parados en una esquina y pasó una muchacha que estaba bien y Benny dijo: ‘¡Oh Bárbara!, y entonces, le salió del corazón a un muchacho que estaba parado en la esquina y contestó a Benny: ‘¡Qué va, compay, el bárbaro es usted!’ Esa misma noche, en la CMKW, surgió El Bárbaro del Mambo, y lo estuvieron llamando así hasta que vino para La Habana. En la capital empezó en el programa de Batanga y ya no le podían llamar el Bárbaro del Mambo. Entonces Ibrahín Urbino, locutor del programa, lo presentó como El Bárbaro del Ritmo.” 

La Banda Gigante de Benny Moré, desde los primeros meses de su integración, tuvo una concepción única de la sonoridad. No importaba que los arreglos fueran de Ignacio Cabrera (Cabrerita), de Pedro Jústiz (Peruchín) o de Generoso Jiménez: a todos ellos el Benny siempre les pedía con exactitud lo que deseaba en relación con el ritmo, la armonía y los efectos tímbricos. Como músico empírico, pues no dominaba la escritura musical, se reunía con ellos en el piano y les iba dictando la figuración rítmica que él sentía, mientras los arreglistas iban transcribiendo lo que Benny señalaba, que respondía a sus ideas sobre la orquestación y el estilo. Contando con su prodigiosa memoria musical, se aprendía los arreglos y dirigía la orquesta mientras cantaba; daba las entradas y cierres a sus músicos con gestos muy personales sumamente expresivos, bailando y enardeciendo a “la tribu” y a los bailadores. Con esto se producía una hermosa relación técnica y una comunión de vida intensa entre todos. 



Afirma su cantante y compadre, Enrique Benítez: 

“Cuando estábamos ensayando y Benny mandaba a parar la orquesta, olvídense, algo andaba mal. Muchos no nos dábamos cuenta, pero él sí. Tenía un oído que era un radar. No se le escapaba nada, por insignificante que fuera. Se ponía las manos en la cabeza, dejaba de cantar y se viraba: ‘¡Aguanten, aguanten ahí… Aquí hay alguien que está atrasado…! Fíjense bien cómo es la cosa’. Entonces se ponía a hacer con la boca: ‘Cum pa, cum patá, cum pa…’ hasta que la gente cogía el golpe”. 

Benny Moré le imprimió a su orquesta el aire típico de las antiguas agrupaciones soneras cubanas, y desde los primeros años de fundada la banda, sus discos se ponen a la venta en Haití, República Dominicana, Venezuela y Cuba. 


Una anécdota que habla por sí sola de sus grandes dotes como organizador de conjuntos, es contada por su médico de cabecera, el doctor Luis Ruiz Fernández: 

“Llegamos a un restaurante campestre y allí estaba una [orquesta] típica que parecía una pelea de gallos […] Cuando la gente lo vio, vino la invitación, era inevitable: ¿qué cantará? Terminó de comer, subió a la tarima y comenzó a organizar aquello. Le pidió un tumbao al piano y a la percusión. Los violines empezaron a guardar los instrumentos. Los llamó y les dijo: ‘Pero, ¿no van a acompañarme?’ Les marcó la melodía. La descarga duró dos horas y aquello era música de la buena.” 

Creo que es necesario hacer un aparte y referirnos a la faceta creativa, de inspirado compositor de Benny Moré. Músico cuyas ideas creativas exhiben una asombrosa fluidez, en sus boleros, sones–montunos, guarachas, rumbas y mambos, los giros melódicos y armónicos, y las letras, son modelos de sencillez, pero siempre muy bien hilvanados y con buen gusto. Como en toda verdadera obra de arte, la lógica artística y el agudo sentido estético eran el resultado de una genuina y libre inspiración. Muestra de lo que decimos se encuentra en sus boleros “Amor y fe”, “Conocí la paz” y “Ahora soy feliz”; en el son montuno “Santa Isabel de las Lajas”; en las rumbas “Rumberos de ayer” y “De la rumba al cha cha chá”; en la guaracha “Mi saoco”; en el afro “Dolor carabalí”, y en los mambos “Bonito y sabroso” y “Ensalada de mambo”, entre otras composiciones. La interpretación personal que de ellos hacía el propio autor, les confería el estilo justo para una acabada e inconfundible realización. 



Entre 1954 y 1958 Benny Moré y su Banda Gigante van consolidando su renombre, no solo en Cuba sino también en otros países. A partir de 1955 “El Bárbaro del Ritmo” inició giras por Venezuela, Jamaica, Haití, Colombia, México y Estados Unidos, donde fue recibido como un genuino ídolo y actuó en bailes celebrados en ciudades importantes, como Caracas, en Venezuela, y Cartagena, Barranquilla y Medellín, en Colombia. En estas significativas plazas alternó sus presentaciones con famosos artistas, entre ellos la admirada vedette brasileña Carmen Miranda y el barítono colombiano Carlos Ramírez. En Panamá obtiene indiscutible éxito en las fiestas populares celebradas en los toldos al aire libre, en el cabaret Dragón de Oro, y en la ciudad de Colón, que lo reclamó. 

Pero no todo fue satisfacción para el artista en estos viajes; también hubo sinsabores. En 1957, en Caracas, un empresario fraudulento trató de guardarse parte del dinero obtenido por las actuaciones de sus músicos, y el Benny, tomando cartas en el asunto, obró drásticamente obligándolo a devolverle el fruto de su trabajo y del de su “tribu”. Fue este el famoso episodio en que golpeó la cabeza del empresario con una cabilla, típica acción de “machismo” tropical. Tuvo sobradas razones para acudir a un artefacto como ese, pues conocía de las anteriores prácticas de boxeo de su adversario, que en otras ocasiones había engañado a artistas cubanos, entre ellos la vedette Blanquita Amaro, el cancionero Fernando Albuerne y el Trío Hermanas Lago. El pianista y cantante Ignacio Villa (Bola de Nieve), que en ese momento se encontraba en Caracas, y el cantante y amigo venezolano Alfredo Sadel, utilizaron sus influencias y lograron sacar de la cárcel a Benny y hacerlo regresar a su país. Toda Cuba se sensibilizó con el incidente, y apoyó la justa postura de Benny Moré. 

Desde 1956 Benny comenzó a grabar los famosos sones montunos dedicados a distintas ciudades cubanas, como “Manzanillo”, de Radamés Reyes; “Santiago de Cuba”, “Palma Soriano” y “Marianao”, de Ramón Cabrera, y de su propia autoría “Santa Isabel de las Lajas” y “Cienfuegos”. Nadie le ha cantado a Cuba mejor que Benny Moré en estos sones. 

Viajó a los Estados Unidos en 1957 y 1958 para presentarse en Los Ángeles y Nueva York. En Hollywood amenizó la ceremonia de entrega de los premios Oscar, y después actuó en la ciudad de Nueva York. En una de estas ocasiones viajó solo y fue acompañado por la famosa agrupación del mexicano Luis Alcaraz. Ya por esos años, la que para muchos constituyó su segunda orquesta, estaba integrada por los siguientes músicos: Lázaro Valdés (pianista); Mauro Gómez, René Aiyón, Fernán Vincent y Diego Loredo (saxofones); Aníbal Martínez, Jorge Varona, Pedro Rodríguez y Pedro Caturla (contrabajo); Jesús González (batería); Jesús López (tumbadora); Enrique Benítez, Gil Ramírez, Delfín Moré y Alfonso Eliseo (cantantes–coro); e Israel Castellanos (secretario y delegado). 

Entre 1958 y 1962 la salud del Bárbaro del Ritmo se va deteriorando. Su médico y amigo, el doctor Luis Ruiz Fernández, le diagnostica una grave cirrosis hepática. El enfermo se cuidó de su dolencia dejando de ingerir bebidas alcohólicas, pero no hizo el imprescindible reposo, sino todo lo contrario: incrementó su actividad musical. Era constante su presencia en bailes, cabarets, radio y televisión, y a pesar de su fortaleza física, cada día se quebrantaba más su organismo. Por estos años actuó en el Liceo de Consolación del Sur, en las sociedades de blancos y negros de San Juan y Martínez, y en la Colonia Española de Pinar del Río. Realizó fatigosos viajes a las provincias orientales para presentarse en Guantánamo, Manzanillo, Santiago de Cuba, Las Tunas, Holguín, y en su amado pueblo de Vertientes, Regla, Güira de Melena y Marianao. 

Como era habitual en él, estos lugares fueron escenarios de grandes triunfos, especialmente en los tradicionales bailables de los jardines de las cervecerías Tropical y Polar, en el Salón Mambí de Tropicana, y en las monumentales fiestas denominadas Papel y Tinta, organizadas por el periódico Revolución y celebradas a todo lo largo del Paseo del Prado, en la ciudad de La Habana, donde se agrupaban los mejores conjuntos y orquestas, junto a bailadores de toda Cuba. Y como si esto fuera poco, su criollísima voz no faltaba en la vida nocturna habanera: los cabarets Alí Bar Club, Sierra, La Campana, Night and Day; los hoteles Habana Libre y Riviera, y el fabuloso Tropicana, lo reclamaban una y otra vez. El Benny estaba extenuado, pero no descansaba: se le veía también anunciando en los teatros América, Martí y Tosca, y fue invitado de honor al Primer Festival de Música Popular Cubana, efectuado en 1962 en el teatro Amadeo Roldán (antiguo Auditórium). El agotado y enfermo Benny Moré tenía tantos compromisos con su pueblo, que por esos años cobró fuerza el mito de su “informalidad”. Pero su público y quienes lo conocieron bien, sabían que esa informalidad circunstancial no fue lo más representativo de su valiosa vida artística. Muestra de ello es que estuvo ofreciendo lo mejor de su arte a la tierra que lo vio nacer, hasta los últimos días de su agitada existencia. 

No le tuvo temor a la vida, sino al contrario, disfrutó de ella como si cada instante fuera el último. No estaba consciente, por su modestia, de su verdadera significación dentro de la cultura cubana, y, en plena fama, era frecuente verlo en cualquier bar o bodega de esquina, en un anónimo lugar, bebiendo cervezas y rodeado de gente sencilla de su pueblo, haciéndose él mismo la segunda voz sobre uno de sus discos reproducidos en una victrola traganíckeles, improvisando todo un fabuloso espectáculo que de seguro sería ovacionado en muchos lugares del mundo. Fue derrochador, de su energía física, de su talento y de su sensibilidad. El calificativo de Sonero Mayor adquirió su verdadera dimensión con él, a partir de sus excepcionales facultades musicales, aunque dominaba no solo los secretos del son, sino también los del bolero, la guaracha, el guaguancó, el mambo, el changüí a la hora de hacer un “guajeo” acompañado por los cueros y metales, luciendo el saco largo y ancho, el sombrero alón, los tirantes que suspendían los anchos pantalones y el bastón. Aunque no todos los cubanos se vistieran así, el pueblo se veía representado en él, por su gracia viril y su criollismo bien definido, alejado lo mismo de la ostentación que de la vulgaridad. Su manera de bailar venía del estilo popular, pero depurado e insinuante. 

El pueblo lo consideró siempre como parte de la familia, pues en él veía reflejadas muy preciadas virtudes de la tradicional ética del cubano. Siempre tenía su bolsillo abierto para un amigo, y hasta para un desconocido, y no olvidaba a un amor del pasado cuando a este tocaba el infortunio. En los últimos años de su vida tenía en su casa del reparto La Cumbre, en las afueras de la ciudad, un sembrado al que llamaba “El Conuco”, y que cultivaba él mismo: allí criaba cerdos y aves de corral (tomeguines y canarios también), a los que, en broma, les ponía los nombres de artistas y amigos queridos, entre ellos los de los cantantes Celeste Mendoza y Bola de Nieve. 

A finales de 1962, al Benny y a su Banda Gigante les propusieron realizar una extensa gira por algunos países de Europa, pero declinó la invitación: ya eran evidentes en el rostro del Sonero Mayor los estragos de su enfermedad. Solo le quedaban pocas semanas de vida, aunque su espíritu batallador lo mantenía en pie. El 16 de febrero de 1963 tuvo que regresar a La Habana, después de amenizar un festejo en el pueblo de Palmira, actualmente provincia de Cienfuegos, a causa de un intenso malestar. Muy grave, fue ingresado en el antiguo Hospital de Emergencias de La Habana. Durante los días en que estuvo en estado de coma, numerosas personas acudían al centro hospitalario, de día y de noche, para conocer los partes médicos sobre la salud del Benny, antes de que estos se dieran a la publicidad oficialmente por la prensa, la radio y la televisión. Muchas veces esas mismas personas se encargaban de echar a rodar por toda La Habana noticias sobre algún cambio, menor o mayor, en la gravedad del paciente. 

A las 9:15 pm del día 19 de febrero de 1963, a la temprana edad de cuarenta y tres años, se extinguió la vida del Bárbaro del Ritmo, del Sonero Mayor. Sus funerales dieron la medida de su inmensa popularidad. Desde que se supo la noticia, una gran multitud de pueblo lo acompañó, pues su muerte conmovió a todos los sectores de la sociedad. Por petición expresa del artista, movió a todos los sectores de la sociedad. Por petición expresa del artista, sus restos fueron sepultados en su pueblo natal, Santa Isabel de las Lajas. Durante todo el recorrido de la caravana por la Carretera Central, los poblados y ciudades paralizaban prácticamente sus labores para darle el último adiós a su ídolo. Una vez en su pueblo, en el barrio de La Guinea, la Sociedad de los Congos lo despidió con un solemne rito funeral mayombero de origen bantú, a base de banderas para abrir los caminos y espantar los malos espíritus. 


Bartolomé Maximiliano Moré, el Benny, fue bohemio, trashumante, sincero, desbordado, mujeriego, machista, sensual, tierno, violento, derrochador, pero sobre todo, un cubano auténtico.











Benny Moré y Juana Margarita Bocanegra, esposa legítima mexicana, 1946.
Benny Moré y Juana Margarita Bocanegra, esposa legítima mexicana, 1946.

En 1946 en México, Benny se casó con Juana Margarita Bocanegra Durán, el padrino de la boda lo fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejías. Juana, de nacionalidad mexicana y de profesión enfermera, trabajaba con el célebre cantante mexicano Dr. Ortiz Tirado.


DATOS CURIOSOS: 

 Beny hizo siete viajes a Panamá principalmente en la época de nuestros carnavales.

Beny jamás firmó un contrato, le bastaba dar su palabra.

Que uno de los mejores amigos que tenia Beny Moré en Panamá fue el cantante Jhony Motete Palm.

Beny cantó en teatros como El Cecilia, El Lux, El Caribe, El Ancón, El Capitolio, el Teatro Río, el Hotel Nacional en David, Teatro Astoria, Teatro Encanto, Club Nocturno Happy Land.

A Beny Moré se atribuyen alrededor de 200 grabaciones, de los cuales 64 eran boleros, eso demuestra que antes de guarachero, Beny Moré era bolerista, de esas piezas musicales treinta eran de la autoría del propio Beny Moré.

Que la adicción a la bebida que tenía Beny Moré era tal, que en momentos que se le prohibió tomar, por su mal estado de salud, dicen que compraba ron solo para olerlo.

Beny Moré murió el martes 19 de febrero de 1963 (hace 44 años) a las 9: 15 de la noche, tenía solamente 43 años de edad, sufría de cirrosis hepática.

Bartolomé Maximiliano Moré ese era su nombre nació en Santa Isabel de las Lajas en Cuba, y era miembro de una numerosa familia, tuvo 17 hermanos.


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CORTESIA DE CURUCUTA
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LORENA VELAZQUEZ





FOTO COLORIZADA POR MI AMIGO EPOCA DE ORO 
María de la Concepción Lorena Villar Dondé, quien nació en el Distrito Federal el 15 de diciembre de 1937, ha participado en más de 300 películas, algunas junto a su hermana Teresa (Tere Velázquez 1942-1998), icono del cine nacional por filmes considerados hoy de culto.



Lorena Velázquez es hija de Eduardo Villar Andrade y Elda Dondé, quienes se divorciaron. Su madre se casó posteriormente con el actor mexicano Víctor Velázquez, fallecido en 1975,de quien tomaron el apellido artisitico , Velazquez





Estudia ballet y teatro en la escuela de Bellas Artes en donde se formó académicamente en técnica teatral con Fernando Wagner, historia del teatro con Francisco Monterde y actuación con Clementina Otero. Es por la profesión de su padre adoptivo que tiene deseos de incursionar en cine, lo cual logra con la cinta Caras nuevas (1956). Poco después, le dan su primer protagónico en Un mundo nuevo (1957). Su belleza capta la atención de los productores y filma varias películas que sirvieron para darla a conocer y en las que trabajó con figuras como Germán Valdes "Tin Tan”, Marco Antonio Campos "Viruta” y Gaspar Henaine "Capulina”.




LORENA JUNTO A GERMAN VALDES "TIN-TAN"


LORENA JUNTO AL GALAN JORGE RIVERO DE LA PELICULA "ESTAFA DE AMOR" EN DONDE
HIZO PAPEL DE VILLANA Y SE RECONOCIO SU CALIDAD DE ACTRIZ
Su primera incursión en el “cine fantástico”, que la haría mundialmente conocida en los años siguientes, sería en la película La nave de los monstruos (1960) del director Rogelio A. González y al lado de Eulalio González “Piporro”, posteriormente aceptaría filmar con El Santo; Santo contra los zombies (1962) y la película definitiva en su carrera Santo contra las mujeres vampiro (1962), en donde interpreta a la reina vampira Zorina; es gracias a esta película que se convierte en una figura mundialmente conocida. Después del éxito que tuvo con el Santo, aceptó hacer otras películas del género tales como: Las luchadoras contra el médico asesino (1963), Las luchadoras contra la momia (1964), Las lobas del ring (1965), El hacha diabólica (1965), El planeta de las mujeres invasoras (1967), Atacan las brujas (1968) y Misión suicida (1973). Sus últimas apariciones en este tipo de films serían con Mil Mascaras en Leyendas macabras de la colonia (1974) y Las momias de San Ángel (1975)


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Paralelamente a sus películas de cine fantástico, filma títulos interesantes como Ellas también son rebeldes (1961) del director Alejandro Galindo, El rapto de las sabinas (1962), junto a su hermana Tere y que filmó en España e Italia, Estafa de Amor (1970), con Maricruz Olivier y Jorge Rivero, Fray Don Juan (1970) con Mauricio Garcés, Ya somos hombres (1971) con Valentín Trujillo, Caín, Abel y el otro (1971), película en la que pese a que estelarizaban tres figuras como Alberto Vázquez, Cesar Costa y Enrique Guzmán, son los personajes de Lorena y Germán Valdes "Tin Tan”, los que se roban la cinta; Los Desalmados (1971) con Fernando y Mario Almada, Mi amorcito de Suecia (1974), con Julio Alemán, y la que seria para muchos su mejor actuación: Cinco mil dólares de recompensa (1975) de Jorge Fons. En 2011 participa en la cinta Cartas a Elena, en donde participan otras figuras con amplia trayectoria como Ana Luisa Peluffo, Elsa Cárdenas e Irma Dorantes, y en donde logra interpretar un personaje humilde, lejos de las damas de sociedad que había caracterizado.
LORENA JUNTO AL GALAN MAURICIO GARCES DE
LA PELICULA "FRAY DON JUAN"























LORENA VELAZQUEZ Y SANTO "EL ENMASCARADO DE PLATA"








Una señorita de buena familia, que estudia ballet y teatro en Bellas Artes, no puede terminar como la reina de las vampiras. A menos que esté dispuesta a arriesgar su prestigio artístico y social en producciones de cuestionada calidad, pero que a la larga han sido reivindicadas por nuevas generaciones de nostálgicos que las elevan a objetos de culto.
Lorena Velázquez, quien filmó cinco cintas con el legendario Enmascarado de Plata, tomó esa decisión y soportó burlas, comentarios malintencionados y la pesada carga de ser para siempre la chica-Santo por excelencia, que al final adquirió el estatus de icono inseparable del cine de luchadores y de ciencia ficción, por lo cual ha sido homenajeada en distintos contextos; el más reciente, en noviembre, en el festival El Futuro más acá, en Nueva York, y meses antes en el Festival de Cine Latino, de San Diego.
La actriz, que será recordada como Zorina, la reina vampira, en Santo contra las mujeres vampiro, de Alfonso Corona Blake, de 1962, comparte divertida su versión del mítico héroe, a 25 años de la muerte del luchador Rodolfo Guzmán Huerta.
“¡Hasta un novio perdí por El Santo!”, recuerda entre carcajadas la jovial reina vampira. “Me dijo: ‘¡Usted haciendo películas con El Santo, qué horror, qué espanto!’ No le hizo nada de gracia mi trabajo, y yo le echo la culpa de eso aEl Santo”, dice y suelta tremenda carcajada.
Yo con Shakespeare, tú en Atacan las brujas
Nada fácil para una joven que se formó académicamente en técnica teatral con Fernando Wagner, historia del teatro con Francisco Monterde, actuación con Clementina Otero, además de su cercanía con Seki Sano, con quienes aprendió a trabajar los personajes con precisión de relojero, o con el interés de sicoanalista, como ella reconoce. “Yo quería hacer grandes cosas de arte, Shakespeare, y de repente… ¡me ponen a trabajar con El Santo!, y todo mundo se empezó a burlar de mí.
“Mi hermana Tere me hacía burla y me decía: ‘¡Caray!, yo en William Shakespeare y tú en Atacan las brujas, con El Santo’. Y pues sí, me empezó a dar un poco de cosa, y decidí cobrarle más a El Santo, ¡y me lo pagó! Porque quería que trabajara con él; así que dije: ‘que digan misa pero yo estoy encantada’.”
–¿Y cómo percibe ahora este entusiasmo de las nuevas generaciones aficionadas a El Santo?
–Con respeto y cariño; me dicen que debo estar orgullosa de lo que hice. Yo les he dicho la verdad: que estaba orgullosa de la cinta El rapto de las sabinas, basada en la pintura que está en el museo Louvre. Esa película pasó sin pena ni gloria. Pero las de mayor impacto, las de mayor trascendencia en mi carrera fueron las de ciencia ficción y, sobre todo, las de El Santo.
–¿La inmortalizó el cine de El Santo?
–Claro, además porque artistas e intelectuales de este país reivindicaron al personaje.
Para no estar en deuda, recuerda, ella le salvó la vida al luchador durante la filmación de una película. Pequeña anécdota que si se lee con la dosis suficiente de malicia adquiere alcances de episodio histórico:
Estaba un día El Santo a punto de arrancar su auto deportivo descapotado, cuando la capa del superhéroe se enredó en la llanta trasera.
–“¡Santo! ¡Deténte!”, le gritó asustada Lorena Velázquez, quien recordó parte de su educación privilegiada al asociar esa escena con el accidente fatal que sufrió la bailarina estadunidense Isadora Duncan.
El Santo, detuvo su auto, extrañado, con temor de que le acechara un peligro más en su misión por el bien. Entonces, Lorena corrió a él con gracia y le desenredó la capa, no fuera a pasarle lo mismo que a Isadora. Él sólo sonrió por el detalle, y siguió su escena, pero muchos en la producción empezaron a contar que Lorena Velázquez le había salvado al vida al Enmascarado de Plata. “¡Imagínate!”, dice sin poder evitar un nuevo arranque de risa, quien fue también señorita México en 1960.
“Lo sigo esperando...”
La relación con El Santo fue tan estrecha, confiesa la actriz, que incluso un día el luchador le preguntó extrañado por qué si todo mundo quería conocerlo sin máscara, ella no había mostrado la menor curiosidad.
–Usted nunca ha querido conocerme sin máscara. La invito a comer a mi camerino y me conoce sin la máscara, le dijo el héroe plateado a través de esos labios estrangulados por la cubierta de tela.
“Cuando lo vi sin máscara me provocó un shock, pero fue muy agradable porque así era El Santo. Tenía sus pestañotas grandotas, su carita redonda, de gente bonachona, muy limpio como su personaje, así era en la vida real. Muy mono y simpático.
“No era un galanazo, pero tenía mucho atractivo. El Santo era seductor por cómo hablaba, con la voz bajita, muy dulce.”
–¿Cuál era el encanto de El Santo?

–El personaje era casanova y elegante, seductor con las mujeres, pero nunca las besaba ni tenía novias; siempre preocupado por hacer su labor de bondad, de justicia, y se iba solo. Se quedaba sin pareja. Sólo se explotaba la posibilidad de que a la mejor regresaba, porque en Misión suicida al final le digo: ‘espérame un momento’, porque ahí podía coquetearle, y cuando regresó me dejó su máscara, y dijo: ‘Te quiero mucho, pero adiós’. Y todavía lo estoy esperando.

“Al Santo le debo parte de mi carrera y que me conozcan
 en todo el mundo, porque fue el creador del cine de
 culto y fue un personaje que abrió fronteras para el cine 
mexicano.
“Me quedé con las ganas de que por lo menos me dijera: 

‘¿qué onda mi Lore?’. Si me hubiera echado el 

perrucho... yo se los comento, porque le coqueteaba, 

pues siempre había algo misterioso; sin embargo, me 

decía: ‘ahorita mando a que le traigan un chocolatito’. 

Era monísimo, pero no era coquetín, por lo menos 

conmigo no”.


CURIOSIDADES DE LORENA VELAZQUEZ

1.- En 1960 fue nombrada 'Señorita México', pero se negó a participar en el certámen de Miss Universo debido a que su carrera cinematográfica se encontraba en ascenso.
2.- Se casó en dos ocasiones. La primera con Robert Taylor Morris y después con Eduardo Novoa, con quien tuvo a Eduardo, su único hijo
3.- El Santo vs las mujeres vampiro, abrio mercados en el extranjero, pues la pelicula duró 152 semanas en Madrid, en un cine de La Gran Vía 
4.- El haber interpretado personajes como Thorina, reina de los vampiros, permitió a Lorena no solo ser considerada una figura de culto dentro de la industria, también en ídolo de cineastas como Stanley Kubrick, Quentin Tarantino, Robert Rodríguez o Pedro Almodóvar.

5.- Las mujeres vampiro (1962) sigue siendo la más recordada por el público, por su estética y trama surrealista, según los críticos de cine en Estados Unidos, Francia, Inglaterra y España.

6.-Era tal la belleza de Lorena que hubo quienes la compararon con María Félix, máxima estrella en el cine de entonces y a quien interpreta en un par de cintas: La vida de Agustín Lara (1959) yLos tres calaveras (1965).


7.Su célebre hermana Teresa le hacía burla por hacer películas con El santo y poco después también terminaría por trabajar con él y otros héroes del género como Blue Demon.

ENLACE ENTREVISTA:

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CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"



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LOLA FLORES
(21 Enero 1923-16 Mayo 1995)




Maria Dolores Flores Ruiz, nace el 21 de Enero de 1923 en Jerez de la Frontera, en el Barrio de San Miguel.


Lola, segunda de tres hermanos, Manolo y Carmen, sabe de años oscuros de miserias, en aquel establecimientos de bebidas – La Taberna del Pavo Real – que regentaba su padre, Pedro Flores, en Jerez, y a los dos años, buscando mejor estrella, se trasladan a Sevilla, por eso Lola amaba tanto a la ciudad del Guadalquivir. Aunque asiste a un colegio de Monjas, lo suyo es el cante y el baile, porque sueña con ángeles bailaores, que le hacen el son, montando en su propia casa un escenario en el que colocaba una serie de sillas ante unas cortinas, saliendo a cantar y bailar... Asiste también, poco después, a la academia del Maestro Realito, donde memorizaba los pasos enseñados, para después bailar a su aire.


LOLA FLORES CON MANOLO CARACOL



Su verdadero descubridor fue el bodeguero Manuel Becerra, en una fiesta que se celebro en su casa. El arte de Lolita de Jerez –así comenzó a llamarse artísticamente- se enciende como las candelas, y comienza a acompañarla el guitarrista jerezano Sebastián Núñez. Son tiempos difíciles de luchas y sinsabores, pero prevalecerán las ansias de triunfo y de grandeza, ya que sus grandes ojos le hacían soñar con el éxito, porque estaba marcada, elegida por el destino. Su ídolo era Pastora Imperio, por lo que en un principio pensó llamarse Imperio de Jerez, pero finalmente prevaleció el nombre de pila.

Por estos años, el director de cine Fernando Mignoni buscaba una gitanilla para su película Martingala, que se estrenaría en 1940. Lolita que aún llevaba calcetines, le recitó Morena Clara y la contrataron, pagándole en esta inicial y poco favorable actuación cinematográfica, ocho mil pesetas.

Es entonces cuando conoce al Maestro López Quiroga, que le gestionaun contrato con el director artístico Juan Carcellé, El padre de Lola lo vende todo y se trasladan a Madrid, a un pisito de la calle Juan Bravo. Son los años difíciles de la posguerra, años de hambre y miseria. La familia lo sufre en sus carnes, pero el valor de Lola, su arrojo, su arte, lo superará todo, Manda a las productoras de cine sus fotografias,con los labios muy rojos, como las uñas de las manos, un collar de dos vueltas, una falda midi y unos zapatos de fina puntera... Hasta que la suerte llama a su puerta, y marcha en una compañía, con Roberto Rey, Manolo Bel y sus muchachos, cantando canciones de otros artistas consagrados. Pero lo suyo es bailar por bulerias, por tanguillos y rumbas. Y de nuevo, el cine, realizando con Julián Torremocha -Un alto en el camino- (1941), en donde Lola encarna a una seductora artista folklórica , capaz de animar el corazón de un honrado labrador casado. En Jerez conoce a Manolo Caracol, que actuaba en el Teatro Villamarta, y a sus doce años le pide al genial cantaor que le dejase actuar, aunque fuera gratis. Caracol accede a su ruego y Lola canta junto a Rafael Ortega y Custodia Romero. El éxito es grandioso y comienzan a llamarla para bodas y bautizos, así como para las fiestas que organizaba la familia Domecq.

Mas nuevamente, la falta de trabajo, y con ello, el vacío y la desolación. Pero unos contratos que le ofrece Hidalgo por el norte de España van a alimentar nuevas esperanzas de triunfo, actuando en los -cafés de familia-, ya que el padre no quería que la niña alternase en los cavares – renunciando, por ello a un fuerte contrato en el Zapico, de Sevilla- ganando en esta gira treinta duros por cantar y bailar canciones diarias, en tres sesiones.

El primer éxito lo obtiene Lola en el café Arrieta, de Gijón, prorrogando el contrato por cinco meses, ganando ya doscientas pesetas diarias. Va empezando ya a conocer la fama gracias a haber introducido en su repertorio el popularísimo numero del maestro Currito Monreal: El Lerele.

Y de nuevo en Madrid, en 1942, acompañada de su madre, interviniendo en el Teatro Fontalba, dirigido por Dionisio Caro, en el espectáculo de Quintero, León y Quiroga –Cabalgata-, encabezado por Mary Paz, la malograda artista fallecida en plena juventud, a los veintidós años. En –Cabalgata- despuntaría ya el genio artístico de Lola, encauzando su camino hacia el estrellato, triunfando, de nuevo, con el Lerele – que tuvo que repetir varias veces- ya que aún no tenía repertorio de otros maestros.

A pesar de intervenir en el Fontalba como telonera, fue calurosamente elogiada por Alfredo Marquerí, siendo también descubierta por aquel infatigable reportero Tebib Arrumi, que, tras elogiar la negrura de su pelo -como en el verso de Manuel Machado-, escribió una interesante crítica en el diario madrileño Informaciones, que a Lola gusta de enseñar a sus amigos: “Le bailan las Manos –decia Arrumi-, su pelo –azul de puro negro-, le baila hasta el respiro, que sirve de acicate a su cuerpo, inverosímilmente bello, creado para el baile....”.

Tras triunfar en el Teatro Fontalba, se le abrieron las puertas del éxito. Después, ya todo fue más fácil hasta su consagración, porque, desde que comenzó, todo el arte de Lola ha sido el fruto maduro y sazonado de sus propios esfuerzos vitales, pues ella nunca tuvo maestros, porque no lo necesitó, ya que la propia naturaleza la hizo artista.

Este mismo año de 1942, en que las tropas aliadas desembarcaban en África del Norte, surge en el firmamento estelar una pareja indiscutible, que alcanzaría las más altas cotas del estrellato: Lola Flores y Manolo Caracol. En 1943, el empresario Adolfo Arezana les monta el espectáculo Zambra, que se reponía, sucediendo, según los años: Zambra 1943 hasta Zambra 1946, siendo Lola la primera artista, junto a la insuperable figura del cante grande: Manolo Caracol.

En 1946, en plena popularidad, protagoniza la pareja la película: Embrujo, con Carlos Serrano de Osma. Seis años duró la popular pareja. De su compañero dejo Lola: “Fue el hombre de mi vida, al que mas quise, y yo no le estropeé su casa ni le estropeé nada: él tenia a sus hijos por encima de todo y en su casa, gloria bendita que fuera, nunca le faltaba. Yo era una niña para él, pues me llevaba veinte años”. También influyó en la separación de la pareja la muerte del hermano de Lola. “Se terminó –añade Lola. Yo me fui llorando y manolo también”.

Lola es fichada entonces como estrella de primera magnitud por Cesáreo González en el Museo de Bebidas de Perico Chicote, entonces la élite de Madrid. “Aquí nos separamos –comentó Lola- porque Cesáreo me contrató por dos años, entregándome los seis millones de pesetas célebres, que tanto dieron que hablar”. “Caracol- diría en 1976 a Francisco Umbral- era un hombre único, un genio, un artista... Fue mi padre artístico, pero era muy celoso”. 

Con Cesáreo González interviene Lola en una nueva película: -La Niña de la Venta-, adquiriendo nuevos triunfos, especialmente, al cantar aquellas bulerias que llevan el mismo título que el filme.

El 9 de abril –sábado de gloria- de 1955, como en los grandes acontecimientos teatrales, en el Cervantes de Sevilla, obtiene la universal jerezana un rotundo éxito con –Copla y Bandera-.

También en la década de los cincuenta, graba Lola un disco titulado Ecos de España, con acompañamiento de la magistral orquesta del maestro Torroba, que ella misma había elegido. En la contraportada se califica a Lola como “Reina de la canción popular española”, siendo así proclamada tanto en España como en América, interpretando aquí “los más sensacionales éxitos ibéricos”, como al son, al son, de Gómez; Soy morena clara, de Sanz-Zagra; Échale guindas al pavo, de Perelló, Mostazo y Cantabra, y ¡Ay España! España mía, pasodoble de Quintero, León y Quiroga, en la primera cara, perteneciente a la película –Morena clara-, con Miguel Ligero; mientras en la segunda encontramos el popular Lerele, de Montreal; El gran Cesar, de Gómez, alegre pasodoble dedicado al popular torero venezolano.

Lola, por otra parte, se ha atrevido siempre a cantar y bailar todo tipo de canciones. Muestra de ello es un hermoso e interesante disco “de larga duración para la audiencia internacional”, con ritmos y canciones “para todos los gustos”. Y donde, bajo la dirección de la gran orquestadle profesor Manuel Matos, interpreta una serie de títulos tan sugestivos y apasionantes –mezcla de folklore español e hispanoamericano-, como Angelitos negros, de Andrés Eloy Blanco y Maciste, que inmortalizara el inolvidable Antonio Machín; Mora Gitana, de Antonio García Padilla y M. García Martos; Algo de España y Esto es Sevilla, de Antonio García Cano.

La Cara posterior se abre con Gitana del camino, de Jaén y Luis Gómez; siguiéndole una rítmica y movida rumba-mambo, de Aurelio Machín: Tu rica boca, en la que Lola hace alarde de su temperamento, su improvisación y su originalidad.

De nuevo, vuelve a tierras americanas, con el intervalo de catorce películas; haciendo populares, en la década de los cincuenta, una serie de canciones con letra y música del original trío Quintero, León y Quiroga, como: Cautiva de amores o ¡Dolores ay mi Dolores!, o el pasodoble Manolita, la primera, La niña sin alma; las bulerias Coplas del Kikiriki, La Copla jerezana, la clavel, Buenaventura, Nochecita de mi duelo, Coplas de Juan Rosales, todas de Quintero, León y Quiroga, y, especialmente, el pasodoble de tono desgarrado y tradicional La Zarzamora – casi el mito de la petenera, como diría Umbral-.


Numerosos espectáculos ha encabezado Lola Flores, destacando, entre otros títulos; La copla morena, Luna guitarra, La guapa de Cádiz, La copla ha vuelto, Candela, y La Lola de ayer, de hoy y de siempre, en los que Lola, temperamental y única, se desmenelaba su abundante cabellera negra, rompía abanicos perdía un pendiente o se desgarraba las vestiduras haciendo vibrar siempre a las masas con su pasión electrizante y sensual tan característica.


VIDA PERSONAL:


Estuvo casada con el guitarrista Antonio González "El Pescaílla" (1926-1999), con el que tuvo tres hijos, los cantantes Lolita Flores (Dolores González Flores) (1958), Antonio Flores (Antonio González Flores) (1961-1995) y Rosario Flores (Rosario González Flores) (1964). Fue hermana de la también cantante Carmen Flores (1936), tía del exfutbolista y entrenador Quique Sánchez Flores (1965), abuela de la actriz Elena Furiase y Guillermo Furiase (hijos de Lolita), la actriz Alba Flores (hija de Antonio) y Lola Orellana y Pedro Antonio Lazaga (hijos de Rosario). Fue la madrina de Carmen Morales, hija de la recordada cantante y actriz Rocío Dúrcal.










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CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"


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SARA MONTIEL
(10 Marzo 1928  -  08 Abril 2013)


FOTO COLORIZADA POR MI AMIGO EPOCA DE ORO
Es considerada uno de los mitos más importantes del espectáculo en lengua hispana, tanto por sus éxitos en cine y música como por su espectacular belleza. Sigue siendo un icono o figura de culto, admirada por público de gustos muy dispares e inspiración para varias generaciones de artistas. Es una de las pocas leyendas supervivientes de la Época de Oro del Cine Mexicano.



FOTO COLORIZADA POR MI AMIGO EPOCA DE ORO

María Antonia Abad Fernández, artísticamente Sara Montiel (Campo de Criptana, Ciudad Real, 10 de marzo de 1928) 

Tambien le adjudicaron nombres como: " Saritisima ", " la manchega universal" conocida tambien como sarita Montiel.

Sara Montiel nació en la pequeña localidad del Campo de Criptana en 1928, en el seno de una familia manchega humilde que subsistía por medio de la agricultura, ya que su padre era campesino. Tras la Guerra Civil, la familia se estableció en Orihuela (Alicante), donde el padre abrió una bodega. La futura estrella estudió en el Colegio de Jesús María de San Agustín en esa ciudad. Allí falleció un hermano suyo, que está enterrado en el cementerio local. Tenía una hermana mayor llamada Elpidia nacida en 1912 y fallecida el 8 de enero de 2006 a los 93 años.






Desde muy pequeña María Antonia destacó por su belleza y sus dotes artísticas, las cuales impresionaron a Vicente Casanova, un influyente productor (uno de los dueños de la compañía CIFESA) y agente de publicidad, quien la vio cantando una saeta durante una procesión de Semana Santa de Orihuela. Don Vicente procuró que la joven recibiera un entrenamiento básico en declamación y canto.


En 1944, gracias a unas fotos sugerentes tomadas por Gyenes, llamó la atención de Vicente Casanova, un influyente productor de cine y agente de publicidad, uno de los dueños de la compañía cinematográfica Cifesa. Pero fue el fotógrafo Gyenes y no Vicente Casanova quien la presentó al director Ladislao Vajda, húngaro como él; así es como ella tuvo su primera aparición en el cine a los 16 años de edad en Te quiero para mí (1944), donde apareció como actriz secundaria con el nombre artístico de María Alejandra. Sería a partir de la película Empezó en boda cuando usaría el nombre artístico de Sara Montiel, sugerido por el actor y humorista Enrique Herreros. Aunque tardó muchos años en auparse como diva musical, ya algunos filmes tempranos (como Mariona Rebull) incluyen canciones suyas.



Tras participar con pequeños papeles en más filmes como Bambú (con Imperio Argentina) y la versión de 1947 de Don Quijote de La Mancha (que recibió un Premio de la Crítica en Nueva York), su primer papel de importancia fue como rival de Aurora Bautista en el exitoso melodrama histórico Locura de amor (1948), basado en la vida de la reina Juana la Loca y dirigido por Juan de Orduña. En este filme el papel de Felipe el Hermoso lo hacía Fernando Rey, quien al igual que Sara disfrutaría años después de una carrera internacional. A este trabajo la joven actriz sumó otros roles todavía secundarios en La mies es mucha, Pequeñeces y El capitán veneno (1950), comedia de Luis Marquina protagonizada por Fernando Fernán Gómez. Su belleza y talento permitirían a Sara Montiel lograr grandes éxitos años después, pero el cine español de entonces le quedaba pequeño pues la encasillaba en papeles de cara bonita, y siguiendo los consejos del dramaturgo Miguel Mihura encauzó su ambición hacia México y Estados Unidos.


Sara Montiel llega a México en 1950, su primera cinta  fue “Furia roja” (1951), en la que compartió créditos con Arturo de Córdova y Carlos López Moctezuma.
En 1951 se naturalizó mexicana y siempre consideró a México como su segunda patria.
Entre 1950 y 1956 trabajó en  más de 10 películas junto a destacadas estrellas como Pedro Infante, Arturo de Córdoba, Agustín Lara, Joaquín Cordero y Abel Salazar.
Las  películas más importantes de su etapa mexicana donde compartió papeles  junto a Pedro Infante: “Necesito dinero”, “Ahí viene Martín Corona” y “El enamorado” (Vuelve Martín Corona). Realizadas todas en 1952.
Su destacada actuación en “Cárcel de mujeres” (1951) y “Piel canela” (1953).


Durante su etapa en México, Sara Montiel visitó Cuba para  rodar los exteriores de algunas de sus películas:
"Piel canela", “Frente al pecado de ayer” y "Yo no creo en los hombres".
Conoció a  Ernest Hemingway, quien residía en la isla y la introdujo en el placer de fumar habanos.
Su debut en televisión  fue en La Habana, a fines de diciembre de 1952 en  “Estrellas de ultramar” del Canal 4.
En octubre de 1958 Sara Montiel  llega La Habana  acompañada por su esposo Anthony Mann y   precedida por el éxito de” El Último Cuplé” y “La Violetera”. Se hospedará en el Hotel Hilton donde le ofrecen un recibimiento inolvidable: 28 muchachas vestidas de violeteras, la Banda de Beneficencia, periodistas, fotógrafos y admiradores le dan una cálida bienvenida.



LOS AMORES DE SARA MONTIEL

Sara Montiel se casó 4 veces:
1957- Anthony Mann, director de cine norteamericano, con quien se casó dos veces: primero in artículo mortis y por segunda vez en matrimonio civil cuando él se restableció de su enfermedad.
1964- José Vicente Ramírez Olalla. Este matrimonio duró dos meses.
1979- José Tous Barberán (Pepe Tous) con quién contrajo matrimonio después de diez años de relaciones. Juntos adoptaron a los dos hijos de la popular artista, Thais (1979) y Zeus (1983).
2002-  Tony Hernández, cineasta cubano con quien contrajo matrimonio civil, la unión se disolvió en julio de 2003.
Se le atribuyen varios amantes: el premio Nobel de Medicina Severo Ochoa, al poeta León Felipe, al dramaturgo Miguel Mihura, al cineasta Mario Camus y el Premio Nobel de Literatura Ernest Hemingway.

CURIOSIDADES DE LA MONTIEL:

Fue la ùnica actriz nacida en España en hacer peliculas en hollywood en lo años dorados, su primera actuacion fue con Gary Cooper en la pelicula "Veracruz"

Ernest Hemingway le enseño a fumar puros. Placer que siempre quedarìa ligado a la imagen de la artista manchega.


La última foto de la que se tiene constancia de James Dean con vida, lo muestra junto a la actriz española. Y según contaba la propia Sara Montiel, recuerdo habérselo oído hace años, el día del accidente de Dean, cuando perdió la vida y comenzó a ser un mito, ella debía haberle acompañado en aquel Porsche maldito. Habían planeado hacer aquel viaje, que a la postre sería el último del actor, juntos, pero un compromiso laboral de última hora hizo que finalmente Sara Montiel no pudiera acompañar a James Dean.


Su mayor éxito En 1957 rodó ‘El último cuplé’, que se convirtió en la película más taquillera de la época, con una recaudación de más de 50 millones de pesetas de las de entonces, unos 3,3 millones de euros de hoy. El éxito fue tal, que la película permaneció más de un año en cartelera.Sarita Montiel hizo de la canción ‘Fumando espero’, tango compuesto en 1922 por Juan Viladomat Masanas y Félix Garzo, su himno artístico desde que lo interpretó en la pelicula.

Se dice que la diva pedía una media delante de la cámara para suavizar sus arrugas.


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CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"



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LIBERTAD LAMARQUE
(24 Noviembre1908  -  12 Diciembre2000)



ES UN DOCUMENTAL DONDE PODEMOS VER PARTE 
DE SU TRABAJO CINEMATOGRAFICO Y MUSICAL EN MEXICO
CONOCIDA TAMBIEN COMO "LA NOVIA DE AMERICA" apelativo adjudicado por el publico por hacer muchas presentaciones en toda America  Latina
Y "LA DAMA DEL TANGO" por que es una de las màximas exponentes en este gènero.


CORTESIA DE MI AMIGO "EPOCA DE ORO"




A Libertad la recordamos como una gran actriz de drama, muchas de sus peliculas narran grandes tragedias, y cada una nos hizo alguna vez llorar como dicen "a moco tendido" creo que a muchos nos ha pasado, sin embargo tambien hizo algunas comedias y le salia muy bien! y como cantante ni que hablar fue una estupenda interprete de tangos, principalmente, tambien la hemos escuchado cantando  boleros, rancheros, hasta mùsica infantil, ella interpreto variadas composiciones en nuestro pais, Mèxico. 



 LIBERTAD LAMARQUE BOUZA ,Nacida en Rosario Argentina el 24 de noviembre de 1908,fue una actriz reconocida internacionalmente y quien dejara su pais en el año 1946 , por una supuesta diferencia entre ella y la antes principiante a actriz y despues primera dama de Argentina, Eva Peron.

Esto es lo que relata Libertad en una de sus biografias:

"No quiero que la gente siga preguntando si lpegué
 una cachetada o no a Evita. Todo fue muy 
distinto... Ella no cumplía con su trabajo. Y eso a mí me molestaba. 

Por su retraso en la filmación de La cabalgata del circo yo debía esperar horas y horas. Eva, mientras todo el grupo de trabajo estaba ya en el set, se quedaba almorzando con el director de la película o el productor. Siempre estaba rodeada de hombres del ambiente. Estaba todo listo para rodar la escena y ella no aparecía. Llegó un momento en que nos agotamos. Hugo del Carril prefirió quedarse de pie, pero yo me fui a sentar, allí mismo, sin moverme de mi sitio. De pronto alguien dijo "ahí viene Eva" y se alborotó el avispero. Por primera vez le dirigí la palabra. Haciendo una enorme reverencia, doblándome en dos todo lo que pude, lo que me permitía el corsé que lucía durante el rodaje, le dije: "Buenas tardes..." Lo dije así, con furia, desde el alma. Ella se frotó las manos y, un poco nerviosa, miró a un lado y al otro y dijo "Bueno, vamos..." De alguna manera, gracias a mi pelea con Evita, conquisté América. De no haber sido así, Libertad Lamarque hubiera quedado en el anonimato"




Acto seguido, Libertad emprendio un autoexilio a Cuba, donde realizo presentaciones ahi y en parte de America Latina, incluyendo Mexico en la que estaria 3 semanas , la cual se alargo por 3 meses asentandose en nuestro pais.  Al poco tiempo consiguió trabajo y realizó una valorable cantidad de éxitos en cine, donde llegó a formar parte de las actrices que integraron la «Época de Oro» del cine mexicano con películas como Soledad, La dama del velo, Otra primavera, Huellas del pasado, La loca, Te sigo esperando, entre otras. Su único fracaso fue Gran Casino, de 1947, donde actuó con Jorge Negrete. El director Luis Buñuel recordó: «Pese a las dos grandes figuras, la película sólo obtuvo un modesto éxito. Entonces, se me "castigó". Permanecí dos años y medio sin trabajar... Vivíamos del dinero que nos mandaba mi madre».
Vemos a Libertad checandose las uñas, mientras
Jorge Negrete Recibiendo indicaciones durante el rodaje
de la pelicula "Gran Casino", 




Libertad Lamarque.
En 1949, participó en la película Otra primavera, que fue nominada en competencia con Los olvidados, de Luis Buñuel, para el premio Ariel otorgado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. La actriz fue nuevamente candidata por sus papeles en La loca (1951), de Miguel Zacarías, y Cuando me vaya (1953), de Tito Davison. En 1955, Lamarque interpretó a una directora de orquesta y compartió cartel con Pedro Infante en Escuela de Música, donde se podían apreciar melodías como «Lamento Jarocho», de Agustín Lara.



Filmes mexicanos como Huellas del pasado, La loca, Otra primavera (por la que fue nominada al premio Ariel) y La mujer X, fueron «excepcionales» de acuerdo a la crítica.40 En Ansiedad (1952) y Escuela de música (1955) llevó a cabo varios cuadros musicales con Pedro Infante.6 El dúo musical integrado por ambos fue exitoso, pero jamás trabajaron juntos en un disco. Mis padres se divorcian (1957) y La cigüeña dijo sí (1958) la muestran en una faceta diferente a la de la comedia. Ahí compartió cartel con Arturo de Córdova, su pareja por excelencia y una de las preferidas por el público.


 En Cuando me vaya (1953) interpretó la vida de la famosa compositora mexicana María Greever y en Yo, pecador (1959) se relata la vida de Fray José Mojica, en la cual interpretó a la madre del destacado actor a pedido de él mismo. Así era mi madre o Bello recuerdo (1961), con Joselito y Sara García, fue la única película filmada en España con su participación; mientras que la sinopsis de Rosas blancas para mi hermana negra (1969), intercala el tema racial con el entonces novedoso trasplante de corazón.


Desde 1955, con el derrocamiento al ex-presidente Juan Domingo Perón,Libertad viajaba a Buenos Aires con mayor frecuencia. En 1959, en una breve estadía por Argentina y después de protagonizar una gran cantidad de películas en México como Acuérdate de vivir (1952), Rostros olvidados (1952), Te sigo esperando (1951), La mujer sin lágrimas (1951) o La marquesa del barrio (9150), protagonizó Creo en ti (1960),5 con Jorge Mistral, que se estrenó en 1960.


SEIS CURIOSIDADES DE LIBERTAD LAMARQUE:

1.-Lamarque debutó a los siete años en una primera función de teatro como obra de beneficencia, dentro de una cárcel; como dato extra, cabe mencionar que el padre de Libertad simpatizaba con el anarquismo.



2.-Se casó por primera vez a los 19 años, con Emilio Romero, el apuntador del Teatro Smart, a pesar de que sus padres se oponían a dicha unión. Pese a todo, el matrimonio fue muy desgraciado aún después del nacimiento de su ùnica hija, Mirtha Romero.
Libertad junto a su entonces, pequeña hija Mirtha

Libertad y su hija Mirtha ya adolescente

3.-Durante una gira por Chile, la llamada Novia de América tuvo una disputa con su esposo; desesperada, se arrojó por la ventana del Hotel Santiago, sin embargo, un toldo evitó su muerte; algunos aseguran que después de rebotar sobre el toldo, cayó encima de un transeúnte.


4.-Para su aparición en la película Eclipse de Sol, Libertad se tiñó de rubia.
Al teñirse de rubia, el padre  de Libertad se molesto mucho

5.-En 1944, la diva participó en La Cabalgata del Circo, donde conoció a otra actriz llamada Eva Duarte, quien se destacó por su impuntualidad. Un día, la estrella de la producción tiene un roce con la actriz que los hizo esperar toda la mañana. Hay muchas versiones sobre el incidente, En su biografía, Lamarque refirió que se limitó a hacerle una reverencia burlona, al tiempo que la saludaba con un indignado “Buenas tardes”.
Otros cuentan que habiendo escasez nacional de gasolina, Libertad Lamarque le dijo a Evita que les consiguiera combustible “aunque tenga que traerlo en el buche”. El mito más conocido es que la estrella le soltó un bofetón a la futura señora de Perón porque ésta tuvo una actitud insolente, y los más maliciosos aseguran que ambas se disputaban al General Perón.



6.-A pesar de que al llegar a México, Lamarque era una actriz consolidada, su primera película en el país fue un fracaso, después de haber actuado al lado de Jorge Negrete e incluso habiendo dirigido Luis Buñuel.
Libertad junto a Jorge Negrete en la cinta "Gran casino"














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CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"

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JORGE NEGRETE

(30 Noviembre 1911  -  05 Diciembre 1953)

RECORRIDO MUSICAL DE UNO DE LOS MAS GRANDES  REPRESENTANTES DE  DE NUESTRA MUSICA VERNACULA Y DE NUESTRO CINE MEXICANO EL GRAN CHARRO CANTOR ..JORGE NEGRETE


JORGE NEGRETE "EL CHARRO INMORTAL" (1955)



Documental sobre la carrera, vida y muerte del "Charro Cantor", Jorge Negrete, con la participación de las mas grandes estrellas de su época: Pedro Infante, María Félix, Luis Aguilar, Cantinflas, Arturo de Córdova, José Alfredo Jiménez y muchos mas, que llegaron a despedir al Charro de México y presentar sus condolencias a María Félix, quien era su esposa en ese tiempo. Grandes canciones e imágenes inolvidables de sus películas, un tributo más que merecido a uno de los actores y cantantes consentidos
del cine nacional. 


BIOGRAFIA

Hablar de Jorge Negrete es evocar toda una época de charros, el tipico macho mexicano , bragao , valiente , que no le teme a nada, que canta musica mexicana, que toma tequila y  conquista mujeres, todo ello es parte de la imagen que muchos tenemos de este gran cantante mexicano JORGE NEGRETE, uno de los idolos de nuestro cine mexicano y que permenecera por siempre.




Jorge Alberto Negrete Moreno Nace. en Guanajuato,

 Guanajuato el 30 de noviembre de 1911 y muere en Los 

Ángeles, California, el 5 de diciembre de1953) fue un 

cantante (barítono) y actor mexicano. Fue uno de los 

actores de la "Época de Oro" del cine mexicano. Fundó el 

Sindicato de Trabajadores de la Producción 

Cinematográfica de la República Mexicana y reestructuró 

junto con un grupo selecto de actores la Asociación 

Nacional de Actores (ANDA), de la que fue destacado 
líder.



Tomando protesta vemos a Pedro Infante, Maria Elena Marques, Victor Parra
Rodolfo Landa y  a Jorge Negrete.


Negrete se graduó de subteniente. Dada su pasión por el canto decide abandonar su carrera militar para dedicarse por entero al mundo de la música. Estudió Bell-canto con el maestro José Piersón, donde aprendió a desarrollar su voz en toda su potencia. En 1931 comenzó su carrera artística cantando en la emisora XETR.







Fue hijo del general David Negrete y de Emilia Moreno. Tuvo cinco hermanos: David, Consuelo, Emilia, María Teresa y Rubén, éste último, quien murió al año y medio de nacido.
Estudió con su hermano David en el colegio católico Santa María de Guanajuato, en León, y en el Colegio Alemán Alexander Von Humboldt, donde aprendió el idioma alemán y luego el inglés, francés e italiano.




A los 14 años, ingresó al H. Colegio Militar y a los 18 se graduó con las más altas calificaciones de su generación, con el grado de teniente de administración del Ejército Nacional. Posteriormente, participó en la batalla de Jiménez, en Coahuila.
Laboró en la Fábrica de Armas de la Ciudadela, donde realizó labores administrativas y estudió la carrera de medicina. Después trabajó como administrador general del Hospital Militar de Puebla.
En 1930, solicitó su traslado a la Ciudad de México, donde ingresó a la academia de canto de José Pierson, y un año más tarde solicitó licencia del ejército para retirarse y dedicarse de lleno a su carrera de cantante en la radiodifusora XETR.


Jorge Negrete en su visita a la Isla de Cuba



El "Charro Cantor" interpretó canciones románticas, además de temas de los populares compositores María Grever, Alfonso Esparza Oteo y Manuel M. Ponce. Al año siguiente, entró a la XEW con el apoyo de Emilio Azcárraga Vidaurreta.
Negrete firmó un contrato con la National Broadcasting Company (NBC), para presentarse en un teatro de Nueva York dos veces por semana. En 1936 actuó en la película "The mexican caballeros" y alternó en el Teatro Hispano.




Después de una presentación en el cabaret Yumurí del barrio latino en el Times Square de Nueva York, conoció al compositor cubano Elíseo Grenet, director de orquesta, quien en la siguiente década le propuso varias presentaciones.
En 1937, los productores de la película "La madrina del diablo" contactaron a su hermano David para ofrecerle a Jorge el papel protagónico. Pidió licencia por 20 días en el Yumurí para viajar a México a filmar la película junto a María Fernanda Ibáñez.
En Estados Unidos, conoció al productor de cine Jesús Grovas, quien le ofreció estelarizar el filme "Huapango", y cuando volvió a la capital mexicana decidió participar en "La Valentina" (1938) al lado de Esperanza Baur.
Jorge con Maria Fernanda Ibañez, con quien tuvo un breve romance, relacion que NO fue bien vista por su madre de la joven, la gran actriz Sara Garcia, quien temia que sufriera como ella lo habia vivido en carne propia con el padre de su hija, pues tambien era actor, y jorge tenia fama de mujeriego (foto de la pelicula "la madrina del diablo)
Ese mismo año, filmó "Caminos de ayer", "Perjura", "El fanfarrón", "Juan sin miedo", "Juntos pero no revueltos" y "El cementerio de las águilas".
Su inseparable hermano, David, le consiguió un contrato con la compañía 20th Century Fox para filmar películas en español en Hollywood; pero los actores estadunidenses, temerosos del proyecto, obstaculizaron la propuesta.
Durante la grabación de "Perjura", conoció a Marina Tamayo, quien se convirtió en su novia, y en la filmación de "La Valentina" conoció a la actriz cubana Elisa Christy, con quien contrajo nupcias.
Jorge junto a su entonces esposa Elisa Christy

La pareja se mudó a Nueva York por un tiempo. Christy se regresó a Cuba, mientras Jorge trabajaba en "La Conga", al lado de Desi Arnaz, al tiempo de alternar su trabajo como traductor de canciones mexicanas al inglés para la firma Southern Music.
Bautizo de la única hija de Jorge Negrete, Diana Negrete, procreada del matrimonio entre el charro cantor y  Elisa christy (hija del gran actor Julio villareal quien se encuentra abajo en la esquina a mano izquierda), tambien los acompañan abajo a la izquierda doña Sara Garcia y de l lado derecho Doña Emma Roldan, y al fondo podemos distinguir al cantante y actor Ramon Armengod
En 1941, Negrete protagonizó la película "!Ay Jalisco no te rajes!", que lo convirtió en la máxima figura artística en América Latina y en la cual conoció a la actriz Gloria Marín, quien también fue su pareja sentimental.
En el set de la película, Jorge y Gloria iniciaron un publicitado romance que aceleró su separación de Elisa Christy. Durante el rodaje de "Seda, sangre y sol" (1942), protagonizada por la pareja, se dictó la sentencia de divorcio.
Ese mismo año, nació su hija Diana, fruto de su relación con Christy; a pesar de ello, Jorge siguió con Gloria Marín y vivió con ella 10 años en unión libre y adoptó a una niña llamada Gloria.
De la pelicula "carta de amor"
Ena la obra de teatro "luna de miel para 3"

Escena de la pelicula !ay, Jalisco no te rajes! Donde conoceria a la actriz Gloria Marin, relacion que duraria 10 años y quienes amigos muy cercanos al charro, fuera el gran amor de su vida. En la fotografia tambien aparece el actor Carlos Lòpez "chaflan"

En esa época, actuó por primera vez con María Félix en el filme "El peñón de las ánimas", con quien mantuvo una relación laboral muy conflictiva, pues él era un conquistador y ella una joven altanera y presumida. Sin embargo, 10 años más tarde, reconoció que se enamoró de ella y se casaron.
Dela película "El peñon de las ànimas" donde Jorge conocería ala principiante actriz Marìa Fèlix (fue su debut cinematografico de "la doña"). pelicula en la que ambos nunca se llevaron bien, pues Jorge hubiese querido como protagonista a Gloria Main con quien ya habia iniciado romance.

La Cadena Azul de Cuba le ofreció cantar en sus canales radiofónicos, en combinación con el Teatro Nacional. Fue tanto el cariño del pueblo cubano, que el presidente Grau San Martín acudió a dicho foro para aplaudirlo.


Con la actriz Amanda del llano de la pelicula "Me he de comer esa tuna"

Entre 1945 y 1946 recorrió varios países de América Latina, al tiempo de filmar varias películas en México. Se presentó tres semanas en Argentina y luego viajó a Chile, a pesar de una solicitud de que prolongara su estancia en el primero.
Después, actuó en teatros totalmente abarrotados en Perú, donde multitudes se molestaron por no haber podido acceder al recinto. En Uruguay tuvo las entradas más altas que cualquier otro artista extranjero; también se presentó con éxito en Venezuela.




Durante ese periodo también colaboró en los largometrajes "Así se quiere en Jalisco" (1942), "Cuando quiere un mexicano" (1944), "Me he de comer esa tuna" (1945) y "Allá en el Rancho Grande" (1949).
Escena de la pelicula "Alla en el rancho grande" (remake hecha por Jorge, antes filmada por Tito Guizar y Esther Fernandez) aqui Jorge junto a la principiante actriz Lilia del Valle y la actriz Lupe Inclàn.

JORGE NEGRETE EN CUBA


Jorge Negrete llego por primera vez Cuba el 3 de enero de 1939. Cantó por las emisoras COCO y CMQ y protagonizó el papel de Danilo  junto a la soprano Lydia de Rivera, en la opereta La viuda alegre de Franz Lehar en el Teatro Nacional (actual Gran Teatro de La Habana). Recorre parte del territorio nacional.
De esa ocasión se guarda aun en la ciudad de  Las Tunas  conservado dentro de un nylon, un vaso  donde bebió un trago de ron Bacardí  tomado en una visita ocasional a la familia Perea Torres .

Su segunda visita a La Habana  a inicios de enero de 1944 produjo una gran conmoción en la Isla,  grandes multitudes lo saludaban en su recorrido hacia el Hotel Nacional donde se hospedó. Concedió numerosas entrevistas.
 La emisora radial Cadena Azul de Cuba le ofreció al  famoso actor cantar en vivo en sus canales radiofónicos en combinación con el Teatro Nacional. El presidente de la República, Dr. Ramón Grau San Martín se entrevista con él y acude al teatro para aplaudirlo. 
Se le obsequió un traje de charro que, en lugar de un águila mexicana en la espalda, tenía el escudo cubano bordado en hilo de plata.
 Estaba lejos de imaginarse que regresaría en pocos meses…
Estando de gira por Puerto Rico conoció los destrozos causados en Cuba por el huracán del 18 de  octubre de aquel año. Entonces cambió su itinerario y aterrizó inesperadamente en la Isla para dar una función a beneficio de los damnificados el 27 de ese mes en el Teatro Nacional.
En esa ocasión expresó “El viejo Negrete está aquí hoy- dice desde el escenario- respondiendo a la llamada de este pueblo que tanto quiere”.
Sus palabras son acogidas con emocionada ovación, una niña pone en sus manos una bandera cubana y la Cruz Roja nacional lo condecora.


Su última visita a  Cuba fue en  1950, contratado por el Circuito CMQ y una empresa ronera. El presidente Carlos Prío Socarrás lo recibió  en la sede del gobierno


En la década de los 50, participó en las películas "La posesión", "Un gallo en corral ajeno", "Los tres alegres compadres" y "Dos tipos de cuidado" (1953), al lado del igualmente popular Pedro Infante. En 1951 el periódico "Ovaciones" y la XEX lo premiaron por su labor humanitaria con una medalla de oro.
Jorge junto a la guapa y gran actriz Elsa Aguirre, durante el rodaje de la pelicula  "lluvia roja"que protagonizaron, iniciaron un breve romance el cual no pudo continuar, debido al inmadurez de Elsa, pues era demasiado joven para èl.

Sin embargo, el reconocimiento que más lo emocionó fue haber sido condecorado en 1952, en la Sala de Banderas del Palacio Nacional, por el Cuerpo de Defensores de la República, agrupación que representa a los veteranos del Ejército Mexicano.



En ese año regresa Marìa Fèlix  despues de un escandalo haber dejado al actor Carlos Thompson, y triunfante a la vez de Argentina, Jorge quien estaba frente al sindicato de la A.N.D.A yanimado por su amigo , el actor Crox Alvarado, llego al aereopuerto a recibir a Maria con unas flores, ella totalmente sorprendida, veia al charro quien años  atras la habia hecho pasar corajes, rendido a sus pies, a las pocas semanas eran notica pues se lespodia ver juntos a todas partes,le Jorge ya habia terminado su relacion tormentosa con Gloria Marin por lo que le porpone matrimonio a Maria Felix y este se convierte en todo un acontecimiento

Los medios de  la radio estaban presentes en este gran acontecimiento
la cual llamaron LA BODA DEL SIGLO.


Los hermanos soler Andrès y Domingo soler, felicitan a los novios


Los novios en la boda civil en al ño 1952que sellevo a cabo en la casa de Maria
Felix, la hacienda de Catipoato

DATOS DE LA BODA ENTRE JORGE NEGRETE Y MARIA FELIX

Era el 18 de Octubre de 1952. María debía abandonar el Hotel Regis al mediodía para llegar a su residencia de Catipoato --- donde se celebró la boda ---, a las 13:30 horas. Sin embargo, se había congregado una muchedumbre fuera del Hotel y le resultaba materialmente imposible abandonar el sitio.

Después de hora y media --- eran cerca de las tres de la tarde --- la policía pudo abrirle paso entre los miles de admiradores que estaban dispuestos a verla de cerca y de ser posible tocarla. Jorge le dio alcance en la Avenida Insurgentes y juntos llegaron a Catipoato, donde los esperaba otra sorpresa.
No podia faltar un toque de coqueteria por parte de "la doña", mientras jorge habla con el periodista y actor Carl Hillos




La finca estaba bloqueada por miles de curiosos y fue un triunfo llegar al interior, donde ya los esperaba una selecta pero también numerosa concurrencia. Productores, diplomáticos, artistas, políticos, aristócratas, etc.

Jorge y maría fueron directamente hacia donde estaba el Juez Don Próspero Olivares Sosa, y los murmullos se apagaron. Los invitados se congregaron en torno a la pareja.

--- En nombre de la Ley os declaro marido y mujer --- dijo finalmente Don Próspero, y la pareja se fundió en numerosos abrazos.

Todos se disputaban el derecho de felicitar a los novios, quienes quedaron maltrechos con tantas muestras de cariño.


los novios brindan por su enlace matrimonial


Serían las cinco de la tarde cuando los novios y sus invitados terminaron de comer. Jorge y María se levantaron y caminaron en dirección al coche nupcial, despidiéndose de todos a su paso.






María Elena Márquez, Rebeca Iturbide y otras actrices persiguieron el auto de los novios lanzándoles arroz.

La feliz pareja disfrutó de su luna de miel en el Puerto de Acapulco, y cuentan sus íntimos que la primera noche Jorge accedió al fin a firmarle a María el libreto de “ El Peñón de las Animas “, que años atrás se había negado a autografiarle por la discusión previa que tuvieron.

El matrimonio disfrutó de felicidad en todo momento, pero también es cierto que “La Doña “ tenía muchas exigencias. Jorge le había regalado un valiosísimo collar el día de la boda y para costearlo se dijo que tuvo que hipotecar el rancho de Ciudad Valles, que con tanto cariño y esfuerzo había levantado.

Estando casada María con Jorge, filmó “Camelia “ y su esposo acostumbraba a ir por ella al terminar el día de trabajo. También la llevaba por las mañanas en su auto. Pero el charro-cantor iba perdiendo su buen aspecto a medida que pasaban los días.

Jorge Vidal, entonces Presidente de la Asociación de Periodistas Cinematográficos Mexicanos logró que Jorge accediera a co-producir con ellos la cinta “Reportaje “, a fin de obtener fondos para las prestaciones sociales de su organismo y a la vez para construir la Clínica de los Actores. La mayoría de los artistas famosos también accediron a intervenir en el film.

Jorge y María protagonizaron un episodio en Marzo de 1953, y la película “ Reportaje “ logró gran éxito de taquilla.



Después de su muerte, el 5 de diciembre de 1953, víctima de cirrosis hepática, salieron al mercado los álbumes "Jorge Negrete", "Fiesta mexicana" y "El charro inolvidable".


LA PRENSA SOBRE LA NOTICIA 
DE LA MUERTE DE JORGE NEGRETE









Informacion actual:
El año pasado se presentó en la Cineteca Nacional del libro "Jorge Negrete: No basta ser charro", de Francisco Javier Millán, publicado por el Festival Internacional de Cine de Guanajuato.
Además, en el vestíbulo del Auditorio Nacional durante diciembre de 2011 y febrero de 2012, se exhibió la muestra "Jorge Negrete, biografía de un personaje de la vida nacional".


Foto a color por un amigo "epoca de oro" posteada en Facebook .... de la pelicula "Tal para cual"
Vemos a Jorge junto a la guapa actriz Ma. Elena Marques y Luis Aguilar




 CURIOSIDADES DE JORGE NEGRETE:

Jorge  hablaba alemán, inglés, italiano y siendo autodidacta estudio los principios del Náhuatl.
- Fue durante sus años en la escuela militar en los que aprendió a montar a caballo, destreza que después explotaría en sus papeles de charro mexicano.
- Estudio brevemente la carrera de Medicina.
- Durante su estancia en Estados Unidos (EE. UU.), trabajó como mesero en restaurantes latinos.
- Pese a que se sospechaba una rivalidad con Pedro Infante, quien era el actor mexicano más popular de la época, ambos fueron grandes amigos hasta la muerte de Negrete.
- Durante el rodaje de El peñón de las ánimas, Negrete mostró su inconformidad al ver que la entonces debutante, María Félix, se tardaba demasiado en arreglarse, por lo cual un día amenazo que si ella no se encontraba lista en poco tiempo se marcharía a casa. En respuesta María Félix tomó una trenza postiza que debía añadir a su cabellera y la aventó a un río cercano, para después decirle, puede irse señor Negrete.


Fue de las unicas figuras que dio publicidad en
estos anuncios,  el Reloj suizo 



Con gran porte  lucia Jorge al montar a caballo. habilidad que desarrollo
durante sus estudios en el colegio militar


ENLACE PELICULA:



CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"


JORGE NEGRETE EL SUPERSTICIOSO


Varonil, apuesto, elegante, de carácter fuerte y disciplinado, abstemio, adorado por las mujeres. Estas y otras características identifican al Charro Cantor, como también se le conoce.
Sin embargo, hay una peculiaridad  suya que quizás no sea muy conocida…
En entrevista concedida a José Aurelio Paz por  Raúl Corrales, destacado foto reportero cubano ya fallecido quien en su juventud sirviera como valet a Jorge Negrete en su visita a Cuba en 1944, aflora esta anécdota:
“Antes de salir a escena meditaba mucho en su camerino y luego se persignaba.
Llevaba siempre consigo una bolsita de medallas donde convivían las imágenes de la Virgen del Carmen, la de la Caridad, la de Guadalupe... Jamás la soltaba.
«Recuerdo una vez en que la dejó olvidada yéndose a España. Me telefoneó de inmediato y pidió: Corrales, búscala debajo de la tierra y envíamela urgente, que sin ella no puedo cantar.

Corrí entonces a la carpeta del hotel Sevilla y allí estaba, en un pantalón olvidado. Fui hasta el aeropuerto y se la di al capitán de una aeronave que volaba a Madrid. Para el hombre fue un honor llevar el encargo y me imagino que Jorge debió recompensarle muy bien porque era un hombre muy generoso. Luego volvió a llamar y me dijo: Corrales, ¡ya estoy entero! ¡Tengo en mis manos la bolsa!».”

ANEXO: LIBRO " SER CHARRO NO BASTA "
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ENLACE LIBRO:


  
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PEDRO INFANTE... 50 ANIVERSARIO

(18 Noviembre 1917- 15 Abril 1957)


Escena de la pelicula "la vida no vale nada" que protagonizo junto
a Charito Granados
DOCUMENTAL SOBRE LOS 50 AÑOS DE MUERTE DEL IDOLO DE GUAMUCHIL  EL GRAN PEDRO INFANTE
Pedro en una de sus presentaciones en Perù


Escena de la pelicula "los 3 Garcia" jutno al actor y director Rogelio A. Gonzalez
quien despues llego a ser la pareja sentimental de Blanca Estela Pavon



De la pelicula "2 tipos de cuidado" , en un descanso ,vemos a Pedro Infante junto a Yolanda Varela, Carmelita Gonzalez y  Jorge Negrete  "el charro cantor"




 Hijo de Delfino Infante García y de Refugio Cruz Aranda, nació el 18 de noviembre de 1917 en Mazatlán, Sinaloa. Su nombre completo fue Pedro Infante Cruz. Su padre quien era músico, tocaba varios instrumentos en diferentes bandas y orquestas de Sinaloa; Pedro aprendió la talla de madera en el taller del Sr. Jerónimo Bustillos, además durante su tiempo libre hizo su primera guitarra, comenzando así su afición a la carpintería, misma que lo acompañó toda su vida.





Busto en honor de Pedro Infante en el lugar de su fallecimiento, donde también se encontraba un fragmento de la hélice de su avión. Mérida Yucatán.
Pedro fue el tercero de catorce hermanos, de los cuales sólo sobrevivieron nueve, María del Rosario, Ángel (que también fue actor y cantante), Pedro, María del Carmen, María Concepción, José Delfino, María del Consuelo, María del Refugio y María del Socorro. A principios de 1924 se mudaron a Guamúchil, Sinaloa, donde Pedro pasó su infancia y es por ello que se le conoce como el Ídolo de Guamúchil.
Desde temprana edad mostró talento y afición por la música, aprendiendo diversos instrumentos. Apoyado por su padre el joven Pedro Infante estudió guitarra con el maestro Carlos R. Hubbard.
Durante su adolescencia en Guamúchil procreó a la primera de sus hijas, Guadalupe Infante Márquez. Posteriormente conoció a María Luisa León 10 años mayor que él, quien convenció a Pedro para que se mudaran a la Ciudad de México en busca de mejores oportunidades para el talentoso joven que ya en Sinaloa había alcanzado reconocimiento como cantante. En México, Pedro y María Luisa se casaron y un año después adoptaron a Dora Luisa Infante hija de María del Carmen Infante, hermana de Pedro.






Posteriormente conoció a la bailarina y actriz Lupita Torrentera, cuando ella tenía solamente 14 años de edad, con quien tuvo tres hijos: Graciela Margarita, Pedro y María Guadalupe Infante Torrentera. Su hijo Pedro Infante Torrentera fue también actor y cantante, y su hija Lupita Infante Torrentera fue actriz, conductora y cantante. De su relación con la joven actriz Irma Aguirre Martínez, mejor conocida como Irma Dorantes, a la que conoció cuando ella tenía solamente 16 años de edad, nació Irma Infante quien también tiene una carrera como actriz y cantante.
Con yolanda Varela



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TRAYECTORIA DE ELSA 

AGUIRRE

(25 septiembre 1930-
CORTESIA DE  MI AMIGO EPOCA DE ORO




Entrevista realizada a una de las actrices mas hermosas del cine mexicano de la època de oro, narra parte de sus vivencias.
Su inicio en el cine fue circunstancial o fortuito como ella misma lo ha reconocido. Cuando apenas era una adolescente y estudiante de secundaria, ganó un concurso de belleza organizada por una productora cinematográfica llamada CLASA Films Mundiales, que buscaba nuevos talentos. Y así, ella y su hermana Alma Rosa fueron seleccionadas para participar en 1945 en su primera incursión cinematográfica: una película de comedia y ciencia ficción titulada El sexo fuerte bajo la dirección de Emilio Gómez Muriel. En este filme, Elsa aparece en los créditos con el nombre de “Elsa Irma Aguirre”. Esta cinta es importante dentro de la historia del cine mexicano, ya que es una de las películas pioneras de tipo ciencia ficción. Desafortunadamente el papel interpretado por Elsa en esta cinta fue poco importante, pero ya empezaba a cautivar su belleza.
Al año siguiente Elsa y Alma Rosa vuelven a filmar otra producción de CLASA Films, titulada El pasajero diez mil y dirigida por Miguel Morayta. En esta cinta, Elsa aparece en los créditos con el nombre de “Irma Aguirre”. En las películas subsiguientes ella aparecería con el definitivo nombre artístico de “Elsa Aguirre”.
Elsa no había estudiado actuación, sin embargo tenía vocación y el prestigiado director Julio Bracho consideró que su talento se podría pulir con la experiencia y por ello la invitó a trabajar con su productora en el filme Don Simón de Lira (1946) actuando a lado de Joaquín Pardavé y es partir de entonces cuando comienza una nueva etapa en la carrera profesional de Elsa, una etapa que consistía en trabajar con diferentes productoras cinematográficas, con personajes de mayor protagonismo y en algunas de ellas compartiría créditos otra vez con su hermana Alma Rosa a lo largo de su carrera.
Elsa Aguirre tanto cautivó con su talento y belleza que en el rodaje de Algo flota sobre el agua en 1947, sirvió de inspiración para que Zacarías Gómez Urquiza y Manuel Esperón se unieran para componerle exclusivamente para ella la canción Flor de azalea y que fue el tema musical de dicha película. Esta película del realizador Alfredo B. Crevenna, marcaría una profunda huella en el recuerdo de Elsa que la consideró como una de sus favoritas, actuando a lado de Arturo de Córdova. A partir de entonces, Elsa acogería la canción Flor de azalea como su himno personal.
Y quien Manuel Esperon la compusiera especialmente para la actriz.
A lo largo de su carrera ha participado en varios tipos de producciones que incluyen la comedia, drama, romance, acción, musicales y fantasía; compartiendo créditos con celebridades de las más importantes de la época dorada del cine mexicano. Entre las películas destacadas de Elsa Aguirre además de algunas que ya se han mencionado en este artículo, se citan: Ojos de juventud (1948) dirigida por Emilio Gómez Muriel y actuando con Joaquín Pardavé; Una mujer decente (1950) de Raúl de Anda y protagonizando con Rafael Baledón; La estatua de carne (1951) de Chano Urueta, actuando a lado de Miguel Torruco y Carlos López Moctezuma; Acapulco (1951) de Emilio “el indio” Fernández, compartiendo actuación con Armando Calvo y Miguel Torruco; Cuatro noches contigo (1951) de Raúl de Anda y protagonizando junto a Luis Aguilar; Cantando nace el amor (1953), junto a Raúl Martínez, y dirigida por Miguel M. Delgado, comedia musical, con Luis Arcaraz y su orquesta, y Dámaso Pérez Prado y su orquesta; Cuidado con el amor (1954) de Miguel Zacarías, con Pedro Infante y Eulalio González "Piporro"; Vainilla, Bronce y Morir (Una mujer más) (1956) de Rogelio A. González, con Ignacio López Tarso; Pancho Villa y la Valentina (1958) de Ismael Rodríguez, actuando con Pedro Armendáriz; Ama a tu prójimo (1958) de Tulio Demicheli con su hermana Alma Rosa y Mario Moreno “Cantinflas”; Casa de mujeres (1966), de Julián Soler, con Dolores del Río; Los años vacíos (1969) de Sergio Véjar, con Joaquín Cordero, (1970) actuando con Julio Alemán y Pedro Armendariz Jr. en "Cómo enfriar a mi marido", entre otras producciones






Su vida privada ha sido discreta en cierto modo, en comparación con otras estrellas. En 1949 durante la filmación de Lluvia roja de René Cardona, sostuvo un breve romance con el Charro Cantor Jorge Negrete.
Elsa se casó tres veces. La primera vez fue con Armando Rodríguez Morado de cuya relación nació su único hijo: Hugo, quien falleciera en un accidente automovilístico cuando apenas él contaba con treinta años de edad. Elsa y Armando se divorciaron.
De la pelicula "lluvia roja" junto a Jorge Negrete
Su siguiente matrimonio fue con el cineasta José Bolaños, quien se hiciera famoso por haber sido el amante mexicano de Marilyn Monroe.
Después de otro fracaso matrimonial, decide contraer nupcias por tercera vez, ahora con un maestro de yoga llamado José Rafael Estrada Valero.
Precisamente estos dos maestros, desde el principio de los años setentas, fueron los que adentraron a Elsa abrazar las disciplinas del vegetarianismo y del yoga. Esto ha contribuido enormemente a que conservara su belleza ayudando a aparentar una edad menor a la real y a ofrecer al público una imagen de salud y bienestar. Esta imagen la ha hecho famosa en México, al grado que inclusive se ha dedicado a participar en conferencias sobre yoga, comida vegetariana y sobre sus secretos para conservar su belleza que tanto le ha caracterizado. Y es que ella siempre ha afirmado que el ser humano no sólo debe ser bello por dentro, sino también por fuera. Esto lo ha demostrado a lo largo de su carrera, ya que se le considera uno de los rostros y cuerpos más bellos en la historia del cine mexicano.

Elsa Aguirre también ha sentido inclinación por la astrología y filosofías orientales, probablemente influenciada por su padre, quien practicaba la masonería. Elsa Aguirre ha afirmado en varias ocasiones que estas disciplinas le han ayudado a equilibrar su carrera artística con su vida privada.



DATO CURIOSO:
El tema "flor de azalea" fue inspirada en la  actriz, al verla tan joven e inocente el compositor Manuel Esperon le dijo "esta canción te la escribire, para ti", esa cancion es con la que identifican a la actriz.




ENLACE:

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CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"



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GERMAN VALDES "TIN TAN"

 (19 septiembre 1915- 29 junio 1973)


BIOGRAFIA A TRAVES DE LA PELICULA

"NI MUY MUY.. NI TAN 

TAN....SIMPLEMENTE 

TIN-TAN"




Documental que hace seguimiento a la trayectoria de uno de los actores comicos de nuestro cine nacional , el talentoso y un versatil Germàn Valdes "tin-tan" llamado tambien "el pachuco de oro". donde podran ver entrevistas con familiares, amigos, compañeros , estudiosos y artistas del rock que siguen los pasos de este actor reconocido







Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo nació en la ciudad de México el 19 de septiembre de 1915.
ORIGEN DE SU NOMBRE:

Cuenta su hija, Rosalía Valdés Julián, que cuando su abuela llevó a bautizar a Germán había gran tensión en la familia, tensión que aprovechaba cualquier oportunidad para salir a flote. La abuela de Tin Tan estaba decidida a que su nieto llevara un nombre de origen italiano, aunque la familia no estaba muy de acuerdo. Así, en la ceremonia de bautizo, al momento de que el padre preguntaba el nombre del niño, la abuela le arrebató el niño a su madre y gritó: “¡El nombre del hijo de mi hijo será Germán!”.
La madre, enfurecida, le arrebató a su hijo. En el forcejeo el ropón del bebé se rasgó dejando al niño descubierto de la cintura para abajo. Un nuevo grito, ahora de la madre, imponía un nuevo nombre: “¡Mi hijo se llamará Genaro-Cipriano!”. Al momento, el pequeño bebé comenzó a orinar, salpicando copiosamente al cura. La mamá, apenada, cambió de lado al bebé, salpicando ahora a la abuela y demás familiares presentes en la iglesia. Comenzaron de nuevo los gritos, cual si se tratara de un sketch de alguna de las películas de Tin Tan. El orden se hizo de nuevo cuando el orinado cura impuso una solución salomónica y gritó: “¡Hoy queda bautizado este niño por la santa iglesia, en la Ciudad de México y en presencia de todos ustedes, bajo el nombre de Germán Genaro Cipriano Gómez-Valdés Castillo”.
Los gritos se calmaron, el bebé lloraba incontenible y fue el padre de Tin Tan, el que inició un tímido aplauso que después siguieron los demás familiares. Fue hasta que el aplauso fue general, que el ya bautizado Germán dejó de llorar.




DATOS GENERALES:


. A sus 12 años su familia se mudó a Ciudad Juárez, Chihuahua, en la frontera con Estados Unidos. Ahí se hace amigo de los “pachucos”, jóvenes que dada la cercanía con Estados Unidos adoptan una forma de hablar combinando el español con palabras de inglés, y utilizan una vestimenta muy característica. Estos personajes impresionaron a Germán, tanto así que los adoptó dentro de su espectáculo años después.

Comenzó a trabajar como guía de turistas en Los Ángeles y San Francisco. Poco después abandonó la escuela y su padre le consigue trabajo en la emisora XEJ. En 1934, Pedro Meneses lo envió a arreglar un micrófono y para probarlo comienza a hacer imitaciones e improvisaciones sin darse cuenta que estaba al aire, su jefe lo escuchó y lo promovió a locutor.

Con la actriz Delia Magaña en "el hijo desobediente"

"El barco de ilusiones", fue su primer programa de radio,  allí interpretaba al marinero Tobías, alternando con Pedro Meneses, haciendo imitaciones de personalidades del momento. Además hacía comerciales en inglés.

- En 1938, Pedro Meneses le crea un personaje llamado "Topillo Tapas", para representar al mexicano que se encuentra en Estados Unidos, tiempo después tuvo que cambiar su nombre artístico por “Tin Tan” para evitar conflictos con un grupo de comediantes que tenían el mismo nombre.

5. En 1943 viaja a la ciudad de México junto a la compañía Maulmer y Miller. Días después se incorporó al elenco Mario Moreno "Cantinflas" en el  teatro.



6. El 22 de noviembre, Valdés empezó a trabajar en la XEW en el programa "Bocadillos de buen humor". El 12 de diciembre, al terminar la temporada en el teatro Iris, de inmediato fue contratado para presentarse en el Follies y luego en El Patio, el centro nocturno más importante de los años 40.


Tin-Tan junto a Meche Barba



7. En 1944 fue invitado por René Cardona para hacer un pequeño "sketch" en la película "Hotel de Verano", y una pequeña participación en la coproducción México-estadounidense "Song of Mexico" (1945).






8. Sus primeros cinco trabajos los hizó de la mano del director Humberto Gómez Landero, pero la consagración definitiva vendría con el director Gilberto Martínez Solares, a partir de "Calabacitas tiernas", convirtiéndose, junto a "Cantinflas", en el cómico más cotizado del país.




9. El "carnal" Marcelo, quien murió el 14 de febrero de 1970, fue la pareja o "patiño" de cabecera de "Tin Tan", durante casi toda su carrera artística, y ambos, aparte de divertir al público en carpas y más de 60 películas, consolidaron una fraterna amistad.







10. "El niño perdido" (1947), "El rey del barrio" y "Simbad el mareado" (1950), "El bello durmiente" (1952), "El vizconde de Montecristo" (1954), "Rebelde sin casa" (1960), "Chanoc" (1966) y "Acapulco 12-22" (1975) son algunas de las 106 películas que filmó "Tin Tan", incluyendo dos cortometrajes y algunos doblajes para Walt Disney.

Con Silvia Pinal "rey del barrio"



11. A fines de los 60 encarnó dos personajes que lo inmortalizaron: la voz del oso "Balú", en la película "El libro de la selva", y la del gato "O"Malley", en "Los aristogatos", ambas películas de Walt Disney para las cuales se presentó a audición, ganando los papeles con un amplio margen sobre sus competidores.

12. El 29 de junio de 1973 murió, luego de padecer hepatitis, lo que le provocó un cáncer estomacal que lo llevó a la muerte junto con un coma hepático.






De la pelicula "El visconde de Montecristo" Tin - tan
junto al gran actor Andrès Soler




ANECDOTA:
Junto a Silvia Pinal en la pelicula
"la marca del zorrillo"
Gilberto Martínez Solares me platicó en una entrevista que cierta vez Germán no llegó al estudio donde filmaba una película. “Por un amigo supimos que se le había ocurrido irse a Londres con la Chula Prieto, una bella estrellita, a ver la clausura de la Olimpiada de 1948 en la que Humberto Mariles y el equipo ecuestre de México ganaron medallas de oro. Cuando regresó, me encontró a la puerta de los estudios y me dijo:
–Don Gil, no sabe que pena tengo, pero fíjese que cuando salía de la casa, al despedirme de Rosita (Rosalía Julián, una de las hermanas Julián, cantantes, con la que estaba casado. Su hermano Ramónse casó con la otra hermana) me dio un beso tan apasionado que me regresé y me quedé con ella dos días en la cama…
El productor, que nos escuchaba –sigue relatando Martínez Solares–, le lanzó una fría mirada de reproche ante tanto cinismo, pero Germán, sin inmutarse, le mentó la madre y se metió al foro”.
LA FAMILIA VALDES















ENLACE DEL DOCUMENTAL:

1.- NI MUY MUY.. NI  TAN TAN... SIMPLEMENTE TIN TAN

  https://mega.co.nz/#!Q9VRyAJJ!Qt7Tl1Ej1tAFltU1PXSbS2ANQnIurPVoTzvcTm4i2RY



CORTESIA DE KHRISCORZAR "SOMOS CINE MEXICANO"











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